Können wir Materialien und Werkzeuge wie Papier, Farbe, Emulsion, Linsen oder Daten als Infrastrukturen von Kunstwerken verstehen? Gerade in der Fotografie bleiben sie zumeist im Hintergrund. Zugleich reagieren sie auf Licht, Temperatur und Zeit; sie altern, verändern ihre Farbe und Konsistenz, werden brüchig oder glitchen und beeinflussen so, wie wir wahrnehmen, was wir sehen. Ins Bewusstsein rücken sie oft erst, wenn sie nicht wie gewohnt funktionieren. Darin ähneln sie den Infrastrukturen, die uns alltäglich umgeben: Architekturen, Landschaften, Netzwerken, Ökonomien und Sprache. »Sweats of the Hippo« versammelt Werke von sieben Künstler:innen, die diesen Verhältnissen nachgehen.
Wenn Bilder schwitzen
Der Schweiß des Nilpferds ist ein dickflüssiges, harziges Sekret, das aus den Poren des Tieres dringt, sobald es das Wasser verlässt. Zunächst farblos, färbt es sich an der Luft innerhalb weniger Minuten rötlich-orange. Seine Pigmente absorbieren UV-Strahlung, wirken antibiotisch und temperaturregulierend. Es ist organischer Film, Filter und Färbung in einem und erinnert damit an fotografische Emulsionen.
Der Titel der Ausstellung geht auf einen gleichnamigen Text des Kunsthistorikers Yve-Alain Bois zurück. Bois greift darin eine Gegenüberstellung von Georges Bataille auf: hier die Darstellung des Pferdes auf griechischen Münzen, Inbegriff der Idee und der platonischen Philosophie, dort die monströsen Tiere gallischer Nachprägungen, die Bataille unter anderem mit dem Nilpferd vergleicht. Schon sprachlich, so Bois, ist der Hippopotamus die groteske Version des allzu würdevollen hippos, seine Karikatur. Das Nilpferd ist fett, es schwitzt, es droht zu schmelzen, so wie 1944 die mit Asphalt gemalten Bilder Jean Dubuffets. Dieses Zerfließen steht bei Bois für das Formlose, das nicht einfach das Gegenteil von Form ist, sondern eine Operation, die Form destabilisiert, herabsetzt, zum Schwitzen bringt und damit der Vorstellung widerspricht, jedes Medium besitze eine reine, ihm eigene Gestalt. Was aber geschieht, wenn das Schwitzen selbst zum Werk wird? Bois’ Antwort führt in die Fotografie: Er nennt Raoul Ubac, der 1939 für seine brûlages die Emulsion seiner Negative erhitzte, bis die Bilder buchstäblich zerflossen, und Gordon Matta-Clark, der 1969 Fotoabzüge mit Blattgold in der Pfanne briet.
Dem Material folgen
An diesen Beispielen zeigt sich eine künstlerische Haltung, die das Material nicht als bloßen Träger von Inhalten versteht, sondern als Akteur anerkennt. Sie lässt seine Eigenlogik zu und hält aus, dass sich Prozesse und Veränderungen auf eine Weise in das Werk einschreiben, die sich menschlicher Kontrolle entzieht. Zugleich begreift sie das Medium nicht als gegeben, sondern als gemacht. Aber woraus, von wem und unter welchen Bedingungen? Die Emulsion, die bei Ubac zerfließt, besteht aus Silber, das in Minen abgebaut wird, und aus Gelatine, gewonnen aus Tierhäuten und Knochen. Papier stammt aus Wäldern und Plantagen, digitale Bilder liegen auf Servern, die Strom und Kühlung brauchen. Selbst was als immateriell gilt, hängt an seltenen Erden, an Lieferketten und an prekärer Arbeit. Wer dem Material lange genug folgt, stößt auf die Infrastrukturen, die es hervorbringen.
Infrastrukturen sichtbar machen
Die Werke in der Ausstellung bewegen sich im Wechselspiel zwischen Infrastrukturen und der Materialität ihrer Medien: Die Künstler:innen nehmen die Verstrickung ihrer Werkstoffe in Fragen von Herkunft und Verfügbarkeit ebenso ernst wie deren eigenständige Kraft im Entstehungsprozess. Einige binden die Geschichte und Architektur der Institution in ihre Arbeiten ein und nehmen subtile Eingriffe vor, die gewohnte Sicht- und Verhaltensweisen unterlaufen. Andere arbeiten mit Überresten veralteter Infrastrukturen, die Spuren von Zeit und Gebrauch tragen, und mit Glas und Linsen, durch die wir sehen, ohne sie zu bemerken. Wieder andere richten den Blick auf Landschaften, die von Infrastrukturprojekten verändert werden, und lassen Tiere, Pflanzen und Erschütterungen zu Mitwirkenden des Bildes werden. Auch der Wandel von Sprache und Bedeutung als tragende Struktur unseres Zusammenlebens und unseres kollektiven Gedächtnisses wird befragt. Nicht zuletzt verhandeln die Künstler:innen ihr eigenes Begehren als Kunstschaffende in einer kapitalistischen Aufmerksamkeitsökonomie.
Beteiligte Künstler:innen
Mit Arbeiten von Linda Enseroth, Luka Naujoks, Jana Pressler, Maximilian Schmitt, Paula Schierholt, Sarah Schroth und Aylin Derya Stahl.
Die Ausstellung wird kuratiert von Pia-Marie Remmers
Die Ausstellungsreihe »Seen By«
Seen By #21 ist Teil der Ausstellungskooperation »Seen By« der Kunstbibliothek der Staatlichen Museen zu Berlin und der Universität der Künste Berlin im Museum für Fotografie. Sie hat zum Ziel, kuratorische und künstlerische Strategien im Umgang mit zeitgenössischer Fotografie neu zu denken.
