Ausstellungen

Erma Bossi – Sonia Delaunay-Terk – Emmi Dresler – Elisabeth Epstein – Elisabeth Erdmann-Macke – Natalija Gontscharowa – Else Lasker-Schüler – Maria Franck-Marc – Olga Meerson – Gabriele Münter – Carla Pohle – Marianne von Werefkin

»Hochverehrte Prinzessin, vieladeliger wilder Junge, süße Malerin, wann darf ich kommen – ich träume von der Süßigkeit Ihrer Bilder. (Der Prinz von Theben) Else Lasker-Schüler (Der blauen Reiterreiterin Freundin.)«

Else Lasker-Schüler an Marianne von Werefkin 1913

In einem Brief an Marianne von Werefkin erfand die expressionistische Dichterin Else Lasker-Schüler 1913 den einprägsamen Begriff der »Blauen Reiterreiterin«.

Dass neben Werefkin zahlreiche Künstlerinnen im Umfeld der Bewegung und ihren Ausstellungen aktiv waren und sie entscheidend mitprägten, zählt zu den Besonderheiten des »Blauen Reiters«. Neben Werefkin und Gabriele Münter sind darunter Maria Franck-Marc und Elisabeth Epstein, die ein grenzüberschreitendes Netzwerk zu Erma Bossi, Sonia Delaunay und Natalija Gontscharowa aufbauten. Ihre Rollen innerhalb des »Blauen Reiters«, ihre Einflüsse auf die ästhetische Theorie und Kunst der Bewegung sowie ihr Wirken über den Ersten Weltkrieg hinaus sind nun erstmals Thema einer umfassenden Ausstellung, die an vier Stationen in Deutschland sowie der Schweiz präsentiert wird. Der Titel geht auf die Überformung Lasker-Schülers zurück und gewährt bereits einen Einblick in die komplexen emanzipatorischen Bestrebungen der Künstlerinnen.

Mit der Ausstellung feiert das Paula Modersohn-Becker Museum als weltweit erstes Museum, das dem Werk einer Malerin gewidmet ist, am 2. Juni 2027 sein 100-jähriges Bestehen. Die Bremer Pionierin der Moderne wird dann auf zwölf Zeitgenossinnen treffen, die ihr Ziel teilten, in ihrer Kunst mit etablierten Wahrnehmungsgewohnheiten zu brechen.

Eine Ausstellung des Paula Modersohn-Becker Museums in Kooperation mit dem Museum Wiesbaden und der Städtischen Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau München sowie der Fondazione Marianne Werefkin in Ascona/CH

Frankreich war stets eine wichtige Bezugsgröße in der bayerischen Geschichte, Politik und Kultur. Davon zeugt auch die Gemäldesammlung der Alten Pinakothek – mit früh erworbenen Gemälden von Claude Lorrain und Nicolas Poussin oder mit Porträts, die französische Maler im Dienste der Wittelsbacher gefertigt haben. Ausgehend von einem aktuellen Erschließungs- und Forschungsprojekt wagt die Ausstellung einen neuen Blick auf diesen besonderen Sammlungsbestand. 

Die Erwerbungs- bzw. Auftragsgeschichten ausgewählter Werke bilden den roten Faden. Zugleich eröffnen sich, ergänzt durch ausgesuchte internationale Leihgaben, Einblicke in Stationen der französischen Malereigeschichte – und in das Leben der sehr mobilen und europaweit tätigen Künstler. So entfaltet sich ein differenziertes Panorama; ganz unterschiedliche Ausdrucksweisen und Bildgattungen lassen sich entdecken. Deutlich wird dabei, dass sich die Betrachtungsweisen und die Vorstellungen von einer »französischen Kunst« im Laufe der Zeit wandelten – und dass auch ihre museale Präsentation eine Geschichte hat.

»Hochverehrte Prinzessin, vieladeliger wilder Junge, süße Malerin, wann darf ich kommen – ich träume von der Süßigkeit Ihrer Bilder. (Der Prinz von Theben) Else Lasker-Schüler (Der blauen Reiterreiterin Freundin.)«

Else Lasker-Schüler an Marianne von Werefkin 1913

Der »Blaue Reiter« ist ein Kreis von unterschiedlichsten Persönlichkeiten, die im Bereich der ästhetischen Theorie, Malerei, Grafik, Literatur und Musik Visionäres geleistet haben. Mit seinen beiden in den Jahren 1911 und 1912 organisierten Ausstellungen und dem 1912 herausgegebenen Almanach steht er für eine Subjektivierung in der Kunst, die Befreiung der Farbe vom Gegenstand und die Idee einer Gleichwertigkeit von künstlerischen Ausdruckformen unterschiedlicher Epochen, Gattungen und Regionen. Damit ist er Teil der internationalen Avantgardebewegungen vor dem Ersten Weltkrieg.

Nahezu völlig unerforscht blieb bis heute, welchen großen Anteil die einzelnen Künstlerinnen im Umfeld des »Blauen Reiter« an der Entwicklung der Moderne hatten, welche Strategien und Netzwerke sich diese zurechtlegten, um trotz des damals herrschenden, ihnen völlig widrigen gesellschaftlichen Normengefüges ein Leben als selbstständige Künstlerin führen zu können, und wer waren all die mitunter völlig vergessenen, in ihren Lebensläufen kaum mehr zu rekonstruierenden Künstlerinnen überhaupt, das sind die Themen der Ausstellung Die Blauen »Reiterreiterinnen«. Und hier sind sie:

Erma Bossi – Sonia Delaunay-Terk – Emmi Dresler – Elisabeth Epstein – Elisabeth Erdmann-Macke – Natalia Gontscharowa – Else Lasker-Schüler – Maria Franck-Marc – Olga Meerson – Gabriele Münter – Carla Pohle – Marianne von Werefkin

Eine Ausstellung des Museum Wiesbaden in Kooperation mit dem Paula Modersohn-Becker Museum in Bremen und der Städtischen Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau München sowie der Fondazione Marianne Werefkin in Ascona/CH

Lovis Corinths Bedeutung für die Moderne ist kaum zu überschätzen. Bereits zu Lebzeiten zählte der virtuose Maler (1858–1925) zu den bekanntesten und ein­flussreichsten Persönlichkeiten der Berliner Kunst­szene. In Tapiau in Ostpreußen geboren und aufgewach­sen zog er im Jahr 1900 von München nach Berlin. Die Reichshauptstadt war zu diesem Zeitpunkt bereits deutlich progressiver und lebendiger als die bayrische Residenzstadt. »Angefangen hat es erst in Berlin«, soll Corinth seine Erfolgsgeschichte an der Spree kommentiert haben.

Im Fokus der großen Schau in der Berlinischen Galerie stehen Corinths steile Karriere und sein großer Einfluss auf die Kunstszene der Stadt, aber auch sein prägendes privates Umfeld. Wie modern der Künstler malte, lebte und dachte, zeigen darüber hinaus weniger bekannte Themen, denen eigene Kapitel gewidmet sind: Corinths Malschule, in der er vor allem Frauen unterrichtete, und seine Arbeit für das Berliner Theater. Bis heute steht Corinths Position für einen spontanen, expressiven Umgang mit Pinsel und Farben, der die Entwicklung der Malerei entscheidend prägte. Man denke an die Berliner Jungen Wilden, aber auch an Georg Baselitz oder den englischen Künstler Lucien Freud.

Die Berlinische Galerie besitzt einen Bestand qualitätvoller Gemälde des Künstlers. Mit  der Ausstellung erforscht sie die eigene Sammlung und erweitert ihre erfolgreiche Reihe monografischer Ausstellungen zur Berliner Moderne, darunter 2023 Edvard Munch, 2021 Ferdinand Hodler, 2019 Lotte Laserstein, 2017 Jeanne Mammen oder 2015 Max Beckmann.

Schon zu ihrer Entstehungszeit waren Werke von Pieter Bruegel d. Ä. hoch begehrt. Zu den wichtigsten Sammlern zählte Kaiser Rudolf II. in Prag, der auch das »Schlaraffenland« besaß. Heute gehört es zu den Hauptwerken der Alten Pinakothek. Aber wie gelangte es nach München? Die Präsentation zeichnet den Weg des Gemäldes aus der Sammlung von Richard von Kaufmann über die Versteigerung 1917 bei Paul Cassirer und Hugo Helbing in die Alte Pinakothek nach. Mehrere der Personen, die den Erwerb des »Schlaraffenlandes« für die Alte Pinakothek ermöglichten, wurden während der Zeit des Nationalsozialismus als jüdisch verfolgt, ausgegrenzt und ermordet. Sie stehen stellvertretend für die zahlreichen Mäzene der Bayerischen Staatsgemäldesammlungen, die wesentlich zum Ausbau der bayerischen Kunstsammlungen beitrugen. An ihr Engagement erinnert diese Präsentation.

Paula Modersohn-Becker hat in nur rund zehn Jahren ein imposantes Werk von über 700 Gemälden und mehr als 1400 Zeichnungen geschaffen, das in Deutschland keine Parallele hat und sie als Pionierin der modernen Kunst auszeichnet. In dieser großen Jubiläumsausstellung trifft sie erstmals auf einen weiteren Einzelgänger der Kunstgeschichte: Edvard Munch (1863–1944).

Persönlich gekannt haben sie sich nicht, aber sie berühren sich in ihren Werken, indem sie ähnliche Themen aufgreifen und sich künstlerischen Aufgaben stellen, die ihre wegweisende Modernität unterstreichen.

Die Kooperation mit dem Munchmuseet in Oslo ermöglicht es, bedeutende Gemälde, Zeichnungen und Grafiken des Norwegers nach Bremen zu bringen, darunter so ikonische Werke wie »Vampir« oder »Krankes Kind«.

Schon seit dem 17. Jahrhundert kommen Künstler nach Katwijk, um das Licht, den Strand und die See zu erforschen und auf der Leinwand festzulegen. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts entstand in Katwijk eine Künstlerkolonie. Künstler aus dem In- und Ausland, oftmals Bewunderer der Hager Schule, malten ›en plein air‹. Beliebte Themen waren die Katwijker Tracht, die Plattbodenboote und der Fischabschlag am Strand. Lange war die Existenz der Künstlerkolonie in Vergessenheit geraten.

Die Ausstellung entsteht in Zusammenarbeit mit dem Museum Katwijk und dem Ahrenshooper Kunstkaten.

Eröffnung: 25. September 2026, 18 Uhr

Friedrich-Wilhelm Fretwurst, geboren 1936 in Althagen, studierte Kunsterziehung an der Universität Greifswald. Ab 1955 nahm Fretwurst an Plainairs teil. Nach seinem Diplom unterrichtete er von 1959 bis 1966 an einer Schule in Greifswald. 1966 bis 1970 studierte Fretwurst Malerei und freie Grafik an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee bei Fritz Dähn und Arno Mohr. Nach dem Diplom war er hier bis 1975 mit einem Lehrauftrag tätig. Seit 1975 ist er gemeinsam mit seiner Ehefrau freiberuflich als Maler und Grafiker in Berlin und seit 1997 in Dierhagen-Dändorf tätig.

Eröffnung: 24. Juli 2026, 18 Uhr

Die Malerei von Eva Nüßlein (* 1991 in Bamberg) erzählt Geschichten – nicht in langen, komplizierten Sätzen, sondern in Momentaufnahmen. Ihre Bilder wirken wie Szenen eines Traums kurz vor dem Erwachen: deutlich genug, um sie intensiv zu spüren, aber ausreichend offen, um sie mit eigenen Eindrücken zu füllen. Oft sind es theaterartige Szenen, durchzogen von immer wiederkehrenden Symbolen – Stars, Tears, Shows und Skulls. Ihre Bildsprache ist unmittelbar und plakativ.

Nüßleins Kunst braucht kein Vorwissen, um gelesen zu werden. Sie besteht aus wenigen, allgemein verständlichen Elementen, die ein Gesamtbild, eine Atmosphäre und ein Gefühl erzeugen. Die einfache Lesbarkeit ist eine Haltung. Die Künstlerin kommt aus der Working Class, ihre Kunst soll nicht ausgrenzen. Die Welt, die sie erschafft, ist radikal zugänglich, lädt ein. Alle können hier andocken, weil Gefühle ernst genommen werden. Die Angst, die Trauer, das Staunen und die Vorfreude – all das hat Platz.

Allgegenwärtig in Nüßleins Kunst ist die Welt der Musik, des Punk und der Subkultur. Viele ihrer Titel und Motive lehnen sich an Songzeilen an – es sind Lyrics, die einen nachts begleiten; Zeilen, die im Gedächtnis bleiben. So entsteht Malerei wie ein gutes Album: emotional, laut und offen.

Bedenkt man die aktuellen Diskurse um die Unterschiede und Gemeinsamkeiten zwischen Ost und West, so ist der Elan der Aufbruchsjahre einer Resignation gewichen. Unterschiede werden betont und die vielen Gemeinsamkeiten unserer Biografien, Haltungen, Gefühle und Ziele sind scheinbar vergessen oder zumindest von anderen Diskursen überlagert worden.

Hoffnung macht die Kunst. Hier kam es in den vergangenen Jahren zu einer grundsätzlichen Neubewertung, zu einer Art entfesselter Neugier, die nicht nur ältere, sondern auch junge Menschen erreicht. Es ist es an der Zeit, diesem Verlangen, dieser Wissbegier mit einer passenden künstlerischen Form zu begegnen. Welche Gattung der Kunst könnte eine solche Leistung besser vollbringen als die Fotografie.

Eröffnung: 19. Juni 2026, 18 Uhr

Digitale Überwachung, KI und visuelle Manipulation – Miao Ying macht die Schattenseiten unserer vernetzten Welt sichtbar. Im Belvedere 21 eröffnet ihre Einzelausstellung einen differenzierten Blick auf die Ästhetiken digitaler Kontrolle. Mit Installationen, Malerei und Video reflektiert die Künstlerin globale Medienkulturen, Zensurmechanismen und die Macht generativer Technologien.

Kuratiert von Sergey Harutoonian. 
Assistenzkuratorin: Vasilena Stoyanova

Biographie

Miao Ying (* 1985 in Shanghai) lebt und arbeitet in New York und Shanghai. Sie gehört zur ersten Generation zeitgenössischer chinesischer Künstler*innen, die im Zeitalter des Internets, der zunehmenden Globalisierung, gesellschaftlicher Umbrüche wie der Ein-Kind-Politik und massiver wirtschaftlicher Transformationen in China aufgewachsen sind.

Nach künstlerischen Ausbildungen in China und in den USA entwickelt sie ein kritisches, oft ironisches Werk an der Schnittstelle von Technologie, Ideologie und digitalen Bildwelten. Ihre Installationen, Videos und Gemälde thematisieren die Mechanismen digitaler Überwachung, staatlicher Kontrolle und medialer Manipulation.

In ihren jüngsten Arbeiten setzt Ying KI-generierte digitale Bilder ein, die sie mithilfe generativer neuronaler Netzwerke unter festgelegten Parametern erzeugt und anschließend in analoge, malerische Formate überführt. So verschränkt sie digitale Technologien mit klassischer Bildproduktion und hinterfragt dabei unsere Wahrnehmung von Realität und Kontrolle.

Arbeiten von Miao Ying wurden u. a. im MoMA PS1 und im New Museum (New York), im M+Museum (Hongkong), im KW Institute für zeitgenössische Kunst (Berlin), auf der Gwangju Biennale (Südkorea) und im chinesischen Pavillon der Biennale von Venedig gezeigt.

Ab dem Frühjahr 2025 widmet sich der Berliner Künstler Christopher Lehmpfuhl auf Einladung unseres Fördervereins ein ganzes Jahr lang dem Alten Markt. Aus verschiedenen Perspektiven und zu verschiedenen Jahreszeiten malt er einen der bekanntesten Plätze Deutschlands. Die während dieser Zeit direkt vor Ort entstandenen Werke werden in einer eigenen Ausstellung im Potsdam Museum zu sehen sein – parallel zur Ausstellung »Platz für Neues? Visionen für den Alten Markt 1945–2025«.

Christopher Lehmpfuhl, 1972 in Berlin geboren, studierte Freie Malerei an der Universität der Künste Berlin bei Klaus Fußmann, dessen Meisterschüler er wurde. Seine – in Anlehnung an die deutschen und französischen Impressionisten – sehr pastose, fast reliefartige Pleinairmalerei verschaffte ihm international Anerkennung. Zahlreiche Malreisen führten ihn nach Australien, China, Indien, USA, Georgien, Island, Irland, Italien, Österreich, die Schweiz und jüngst Indonesien. In Berlin hat er seinen bislang größten Zyklus vom Rückbau des Palastes der Republik und Aufbau des Stadtschlosses in über 140 Großformaten dokumentiert.

Gemeinsam mit seiner Frau Erika veröffentlichte er rund 100 Publikationen. Er erhielt zahlreiche Preise und Stipendien, wie den Gasag Kunstpreis, das Stipendium der Bayerischen Akademie der Schönen Künste oder den Kunstpreis der Schleswig-Holsteinischen Wirtschaft. Neben der Ölmalerei machte er sich auch einen Namen als Aquarellist, Grafiker und Bildhauer. Seit zwei Jahren beschäftigt er sich zudem mit der Glaskunst und Keramik. Lehmpfuhl ist in zahlreichen namhaften Kunstsammlungen vertreten, wie der Sammlung Würth, der Sammlung des Deutschen Bundestags und der Kunstsammlung Rudi Bindella.

Die Ausstellung ist ein Projekt des Fördervereins des Potsdam Museums in Kooperation mit KORNFELD Galerie Berlin und dem Potsdam Museum. 

Gerenot Richter (1926–1991)

Gerenot Richter machte nach dem Krieg zunächst eine Ausbildung zum Lehrer und arbeitete 1948–1949 als Neulehrer in Dresden. 1949 bis 1953 studierte er Kunsterziehung und Geographie an der Technischen Hochschule Dresden, der Universität Leipzig und der Humboldt-Universität zu Berlin.

1953 wurde Richter wissenschaftlicher Assistent für Methodik der Kunsterziehung und der künstlerischen Praxis an der Humboldt-Universität. 1955 erhielt er einen Lehrauftrag für Malerei und Grafik am Institut für Kunsterziehung der Humboldt-Universität, wo er 1957 promovierte. 1962 bis 1965 machte er ein externes Studium an der Hochschule für bildende und angewandte Kunst Berlin-Weißensee bei Heinrich Burkhardt und Fritz Dähn, das er mit dem Diplom abschloss. 1966 wurde Richter Dozent für Theorie und Praxis der künstlerischen Gestaltung am Institut für Kunsterziehung der Humboldt-Universität. 1971 erfolgte seine Berufung zum außerordentlichen Professor und 1979 bis zu seiner Emeritierung 1989 war er Professor mit künstlerischer Lehrtätigkeit für Malerei und Grafik an der Humboldt-Universität.

Richter war ein Meister der Radierung. Sein Werk umfasst auch eine Vielzahl von Zeichnungen, unter denen sich etliche befinden, die an die Qualität seiner besten Tiefdrucke heranreichen, sowie eine beachtliche Zahl von Aquarellen, Pastellen und Gemälden.

Einsichten und Eindrücke, die Gerenot Richter auf seinen Reisen sammelte, fanden immer wieder in unterschiedlicher Weise ihren Niederschlag in seinen Bildern. Dazu zählen die Landschaftsgraphiken von der Ostseeküste, ob nun von der Insel Rügen oder von der Halbinsel Fischland/Darß und Ahrenshoop.

Eröffnung: 22. Mai 2026, 18 Uhr

Nach zehn Jahren als junge aufstrebende Architektin und Möbeldesignerin verließ Charlotte Perriand (1903–1999 Paris, FR) 1937 das Studio von Le Corbusier. Dort war sie für zahlreiche Möbel- und Interiordesign-Projekte verantwortlich, die heute als begehrte Sammlungsgegenstände hoch im Kurs stehen. Gleichzeitig begann sie äußerst erfolgreich zu fotografieren, und übertrug ihre avantgardistische Architektur- und Designvisionen über die Aufnahmen von organischen Formen und Materialstudien auf das Medium Fotografie.

Das Museum der Moderne Salzburg organisiert gemeinsam mit den Kunstmuseen Krefeld und in enger Zusammenarbeit mit dem Nachlass der Künstlerin in Paris eine umfangreiche Ausstellung, die sowohl Perriands Leistungen auf dem Gebiet der Architektur und Designs, als auch der Fotografie Rechnung trägt.

Zur Ausstellung erscheint eine Publikation.

Kurator:innen: Katharina Ehrl und Barbara Herzog

F.C. Gundlach wurde mit seinen Modefotografien berühmt und durch seine vielfältigen Allianzen zu einer Schlüsselfigur der Fotogeschichte. Zum 100. Geburtstag zeigt das Bucerius Kunst Forum seine ikonischen Fotografien, aber auch bisher unveröffentlichte Aufnahmen sowie noch nie gezeigte Farbabzüge.

Die Ausstellung macht Gundlachs internationalen Einfluss als Fotograf, Sammler und Förderer der Fotografie von Paris über New York und Brasília bis Hamburg deutlich. Zu sehen sind neben seinen eigenen Fotografien auch zahlreiche Werke von Vorbildern, Weggefährt:innen und Nachfolger:innen wie Edward Steichen, Richard Avedon und Nan Goldin. Im Dialog mit seinen eigenen Arbeiten werden gleichermaßen die Liebe zum Medium, wechselseitige Einflüsse, gesellschaftliche Diskurse und Machtverhältnisse sichtbar.  

Eine Ausstellung im Rahmen der 9. Triennale der Photographie Hamburg 2026.

Eine Ausstellung des Bucerius Kunst Forums und der Stiftung F.C. Gundlach

Die Ausstellung zeigt erstmalig im deutschsprachigen Raum die Bandbreite der Angewandten Kunst aus einer lateinamerikanischen Perspektive. Im Zentrum steht hier die Vielfalt der Materialien und Techniken, sowie auch die sozialen und politischen Aspekte des traditionellen und zeitgenössischen Kunsthandwerks in Lateinamerika.

Es werden über 70 Arbeiten und Projekte einzelner Künstler:innen, Designer:innen und indigener Gemeinschaften (Native Communities) gezeigt, unter anderem aus: Argentinien, Bolivien, Brasilien, Chile, Ecuador, El Salvador, Kolumbien, Mexiko, Panama, Paraguay, Peru, Uruguay und Venezuela.

Zentrale Themen sind u.a. ökologischen Umgang mit natürlichen Ressourcen, Kunsthandwerk und Identität, die Rolle des Kunsthandwerks im Prozess der Dekolonialisierung, Kreislaufwirtschaft, die Wiederverwendung und das Recycling von Materialien, sowie Biodiversität und Fairer Handel. Darüber hinaus nehmen die rituellen, spirituellen und schützenden Objekte wie Talismane, und Objekte, die mit einer »Seele« versehen werden, eine wichtige Position ein.

Wenn Kunst auf florale Poesie trifft, ist es wieder so weit: Palastblühen kehrt im Frühjahr 2026 in den Kunstpalast zurück. Bereits zum dritten Mal verwandeln floristische Kompositionen den Sammlungsrundgang in ein lebendiges Gesamtkunstwerk – farbenfroh, duftend und vergänglich schön. Inmitten der Werke aus Malerei, Skulptur, Design und Glas eröffnen Blumenarrangements neue Blickwinkel, schaffen visuelle Korrespondenzen und setzen sinnliche Akzente.

Auch im nächsten Jahr treten Düsseldorfer Florist:innen mit ihren Interpretationen in den Dialog mit der Sammlung: Mal augenzwinkernd, mal kontemplativ, mal dramatisch entfalten sie in ihren Arbeiten eine ganz eigene Erzählung. Dabei entstehen temporäre Installationen, die den Raum verwandeln – überraschend, atmosphärisch und stets im Rhythmus der Natur.

Zum 42. Mal findet die Förderpreisausstellung der Freunde der Kunstakademie Münster statt, die insgesamt 13 künstlerische Positionen zeigt.

Die Förderpreisausstellung ist ein besonderes Ausstellungsformat, das keinen thematischen Vorgaben folgt. Vielmehr kann sie als eine Plattform gesehen werden, die es den Studierenden der Kunstakademie Münster ermöglicht, ihre Arbeiten in den Räumlichkeiten der Kunsthalle Münster einer breiteren Öffentlichkeit zu präsentieren. Aus den künstlerischen Positionen zeichnet die Jury insgesamt drei Preisträger:innen aus. Entsprechend der 13 Klassen werden in der Ausstellung unterschiedliche Schwerpunkte und verschiedene Medien, wie Malereien, Skulpturen, Zeichnungen, Installationen und Videos, zu sehen sein.

Eine Kooperation der Kunsthalle Münster mit der Kunstakademie Münster und den Freunden der Kunstakademie Münster

Erstmalig werden die österreichische Künstlerin Maria Lassnig (1919–2014) und der norwegische Maler Edvard Munch (1863–1944) in einer großen Doppelschau gemeinsam gezeigt. Beiden gemeinsam ist nicht nur ihr einzigartiger Umgang mit Farbe als Gestaltungs- und Ausdruckselement, auch in ihrer lebendigen Pinselführung, und in ihren ungewöhnlich freien Experimenten der Maltechnik finden sich verblüffende Parallelen. Beide widmen sich den großen, existentiellen Gefühlen wie Trauer, Verzweiflung, Angst, Zorn, Freude oder Schmerz.

Zugleich sind es auch oftmals unbeachtete Empfindungen und Wahrnehmungsebenen, die künstlerisch reflektiert werden und eigene Bilderfindungen hervorrufen. Die Werke beider Künstler*innen bieten einen intimen Einblick in die jeweilige Biografie ihrer Erschaffer*innen und zeichnen darüber hinaus ein vielschichtiges Porträt ihrer Entstehungszeit. Die Ausstellung entsteht in Kooperation mit dem Kunsthaus Zürich.

Kurator:innen: 

Dr. Brigitte Kölle, Kuratorin und Sammlungsleiterin Hamburger Kunsthalle
Prof. Dr. Hans Dieter Huber, Gastkurator
Dr. Sandra Gianfreda, Kuratorin Kunsthaus Zürich

Assistenzkuratorin: Noura Persephone Johnson

Meisterwerke der Neuen Pinakothek in der Alten Pinakothek

Während der Sanierung der Neuen Pinakothek sind Meisterwerke des 19. Jahrhunderts in der Alten Pinakothek zu Gast. Die Dauerausstellung »Von Turner bis van Gogh« wird im Jahr 2026 durch temporäre Sammlungspräsentationen ergänzt, die den Fokus auf besondere Themen und Werkgruppen richten.
 

Die kleine Schau bronzener Tierdarstellungen zeigt die Entwicklung von den Pionieren dieser Gattung, den sogenannten Animaliers Antoine-Louis Barye und Pierre-Jules Mêne, hin zu Hauptvertretern der autonomen Tierplastik wie August Gaul und Fritz Behn. Es eröffnet sich ein breites Spektrum: Waren Tierskulpturen zunächst vorrangig im Kontext der Herrschersymbolik verortet, steht die Darstellung von Nutztierrassen für eine künstlerische Neuorientierung und Abkehr von der repräsentativen Denkmalkunst. Exotische Tierarten erzählen ebenso von der Entwicklung der zoologischen Gärten wie von den vielfachen Verflechtungen der deutschen Kolonialgeschichte.

Für seine erste institutionelle Einzelausstellung in Deutschland entwickelt Duane Linklater eine ortsspezifische Installation, die zentrale Fragen zum Umgang mit Erinnerung, Sammlung und musealer Verantwortung aufwirft. Ausgangspunkt ist der Begriff cache – ein Lager zur Aufbewahrung, wie es in Indigenen Kulturen Kanadas praktiziert wurde, und heute auch als digitale Speicherform bekannt ist.

Linklater, Omaskêko Ininiwak der Moose Cree First Nation, transformiert diese Idee in skulpturale Gerüstkonstruktionen. Diese industriellen Module tragen Gemälde, Objekte und persönliche Dinge – nicht zur unmittelbaren Aneignung, sondern als Speicher, die sich dem Zugriff des Publikums entziehen. Die Ausstellung verknüpft Indigene Perspektiven und Praktiken mit aktuellen Fragen zu kultureller Zugehörigkeit, Zirkulation von Wissen und kolonialem Erbe westlicher Institutionen.

Im Zusammenspiel mit einer vom Künstler mitkuratierten Sammlungspräsentation entstehen Resonanzräume zwischen Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft. So entsteht eine vielschichtige Auseinandersetzung mit Fragen nach Sammlung, Erinnerung, Aufbewahrung und musealer Verantwortung: Wer entscheidet, was bewahrt wird? Was erzählen Dinge über kulturelle Identitäten – und über Institutionen? Welche Geschichten zirkulieren zwischen Menschen, Objekten und Orten? In der Kunsthalle Bielefeld treffen somit Vergangenheit und Gegenwart aufeinander – in einem lebendigen Speicher kollektiver Aushandlung.

Die Ausstellung wird gemeinsam mit dem Künstler, der Wiener Secession und der Galerie Rudolfinum, Prag, konzipiert.

Brancusi (1876–1957) zählt zu den bedeutendsten Bildhauern des 20. Jahrhunderts. Nach traditionell-akademischen Anfängen fand er ab 1907 in Paris zu einem eigenen Stil. Seine organischen bis auf das Wesentliche reduzierten Skulpturen machen ihn zum Vorreiter der skulpturalen Abstraktion im frühen 20. Jahrhundert. Brancusis stetige Suche nach einem künstlerischen Ideal manifestiert sich in den formalen Variationen weniger Motive und dem Spiel mit wechselnden Materialien und Oberflächen. Gekonnt nutzte er spezifische Sockel, Licht, Bewegung sowie Fotografie und Film, um seine Skulpturen in Szene zu setzen.

In Kooperation mit dem Centre Pompidou in Paris zeigt die Neue Nationalgalerie die erste Werkschau des Ausnahmekünstlers seit über 50 Jahren in Deutschland. Mit über 150 Skulpturen, Fotografien, Zeichnungen, Filmen und bisher kaum gesehenen Archivmaterialien aus dem Centre Pompidou sowie aus weiteren privaten und öffentlichen internationalen Sammlungen, präsentiert die Ausstellung den bisher umfangreichsten Überblick über Brancusis vielseitiges Schaffen. Neben Hauptwerken wie »Der Kuss«, »Vogel im Raum«, »Schlummernde Muse« oder »Unendliche Säule« zeigt die Ausstellung eine Teilrekonstruktion des berühmten Ateliers von Brancusi, das damit erstmals seit seiner Übergabe an den französischen Staat 1957 außerhalb von Paris zu sehen ist.

Während das Werk von Constantin Brancusi in Frankreich sehr populär ist, ist der Bildhauer in Deutschland bisher nur Eingeweihten ein Begriff. Die Ausstellung soll dem Künstler auch in Deutschland die ihm gebührende Wahrnehmung verleihen.

In der Natur wimmelt es von Tieren, Pflanzen und Pilzen, die mithilfe von Giften um ihr Überleben kämpfen. Während sich einige mit toxischen Substanzen schützen, setzen andere – wie die Hornviper – ihr Gift gezielt zum Angriff ein. Auch ein Blick in die Geschichte offenbart, dass Giftmischer und -mischerinnen seit jeher dieses gefährliche Wissen nutzten. Und selbst heute begegnen wir dem Giftigen öfter, als uns lieb ist.

Ab Frühjahr 2026 lädt das Museum Wiesbaden ein, auf sicheren Pfaden in den faszinierenden Kosmos des Giftigen einzutauchen – vielschichtig, fesselnd und bisweilen erschreckend.

Ein französisches Fischerdorf wird zum Mythos. Étretat, in der Normandie an der Atlantikküste gelegen, zog im 19. Jahrhundert zahlreiche Künstler in den Bann. Vor allem Claude Monet war von der einzigartigen Steilküste mit ihren drei Felsentoren – der Porte d’Amont, der Porte d’Aval und der Manneporte – derart fasziniert, dass er ihr etliche Gemälde widmete. Das Städel Museum präsentiert gemeinsam mit dem Musée des Beaux-Arts de Lyon eine große Ausstellung über die künstlerische Entdeckung von Étretat und den Einfluss des Ortes auf die Malerei der Moderne.

Aufregend schön und zugleich bedrohlich: Das Interesse galt vor allem der charakteristischen Klippenlandschaft Étretats. Maler und Schriftsteller reisten an den abgelegenen Ort und machten ihn durch ihre Werke über die Grenzen Frankreichs hinaus bekannt. Gustave Courbet malte hier seine berühmten Wellenbilder, Guy de Maupassant erhob Étretat literarisch zu einem Sehnsuchtsort und der Komponist Jacques Offenbach ließ sich in dem kleinen Küstenort eine großzügige Villa bauen. 

Mit der zunehmenden touristischen Erschließung um 1850 entwickelte sich Étretat zu einem beliebten Seebad und zu einem Treffpunkt für Künstler, Intellektuelle und das Pariser Bürgertum. Monet begann in Étretat unter den sich stets verändernden Licht- und Wetterverhältnissen erstmals, Motivreihen zu malen, eine Arbeitsweise, die sich später zu seinem Markenzeichen entwickeln sollte. So spielte Étretat eine bedeutende Rolle bei der Entstehung einer neuen Malerei, die später als Impressionismus in die Geschichte der Kunst einging.

Im Frühjahr 2026 werden in Frankfurt herausragende Gemälde, Zeichnungen, Fotografien und historische Dokumente aus französischen, deutschen und weiteren internationalen Museen sowie Privatsammlungen zu sehen sein. Die Werke moderner und zeitgenössischer Künstler – von Félix Vallotton und Henri Matisse über Georges Braques bis hin zu Elger Esser – verdeutlichen zudem die anhaltende Faszination, die von diesem Ort bis heute ausgeht. Seit mehr als 150 Jahren ist Étretat Urlaubsort und Ziel des internationalen Tourismus. Die Menschenströme bedrohen die Steilküste jedoch ebenso wie die Erosion und der Klimawandel. Die Untersuchung des Mythos Étretat ermöglicht es somit auch, wie unter einem Brennglas die ambivalenten Auswirkungen der Popularisierung eines Ortes und die Rolle, die die Kunst dabei spielte, nachzuvollziehen.

Kuratoren
Alexander Eiling (Sammlungsleiter Kunst der Moderne, Städel Museum)
Stéphane Paccoud (Conservateur en chef, Peintures et sculptures du XIXe siècle, Musée des Beaux-Arts de Lyon)
Isolde Pludermacher (Conservatrice générale peinture, Musée d’Orsay, Paris)

Projektleitung
Eva-Maria Höllerer (Kuratorin, Städel Museum)
Nelly Janotka (Wissenschaftliche Volontärin, Städel Museum)

Erstmals wird die Scharf Collection präsentiert, eine deutsche Privatsammlung französischer Kunst des 19. und 20. Jahrhunderts sowie zeitgenössischer internationaler Kunst. Sie führt in vierter Generation einen Zweig der bedeutenden Berliner Sammlung Otto Gerstenberg weiter, deren Spektrum von den Anfängen der Moderne bei Francisco de Goya bis zur französischen Avantgarde der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts mit Gustave Courbet und Edgar Degas und dem gesamten graphischen Werk von Henri de Toulouse-Lautrec reicht.

Trotz vieler Kriegsverluste konnte Gerstenbergs Tochter Margarethe Scharf den Großteil der Sammlung retten und an die beiden Söhne Walther und Dieter Scharf vererben. Nach der Teilung der Sammlung zwischen den Enkeln knüpften Walther Scharf, dessen Frau Eve und Sohn René an den französischen Fokus an und ergänzten u. a. Werke von Claude Monet, Paul Cézanne, Pierre Bonnard, Henri Matisse und Pablo Picasso. Heute richten René Scharf und seine Frau Christiane Scharf den Blick auf zeitgenössische internationale Positionen, unter anderem mit Werken von Sam Francis, Daniel Richter und Katharina Grosse. Mit einem besonderen Interesse an den Grenzen des Mediums Malerei sowie dem Verhältnis von gegenständlichen und abstrakten Bildwelten erweitern sie die familiäre Sammlungstradition in die Gegenwart.

Eine Ausstellung des Kunstpalastes, Düsseldorf, in Kooperation mit der Alten Nationalgalerie, Staatliche Museen zu Berlin