Ausstellungen

»Hochverehrte Prinzessin, vieladeliger wilder Junge, süße Malerin, wann darf ich kommen – ich träume von der Süßigkeit Ihrer Bilder. (Der Prinz von Theben) Else Lasker-Schüler (Der blauen Reiterreiterin Freundin.)«

Else Lasker-Schüler an Marianne von Werefkin 1913

Der »Blaue Reiter« ist ein Kreis von unterschiedlichsten Persönlichkeiten, die im Bereich der ästhetischen Theorie, Malerei, Grafik, Literatur und Musik Visionäres geleistet haben. Mit seinen beiden in den Jahren 1911 und 1912 organisierten Ausstellungen und dem 1912 herausgegebenen Almanach steht er für eine Subjektivierung in der Kunst, die Befreiung der Farbe vom Gegenstand und die Idee einer Gleichwertigkeit von künstlerischen Ausdruckformen unterschiedlicher Epochen, Gattungen und Regionen. Damit ist er Teil der internationalen Avantgardebewegungen vor dem Ersten Weltkrieg.

Nahezu völlig unerforscht blieb bis heute, welchen großen Anteil die einzelnen Künstlerinnen im Umfeld des »Blauen Reiter« an der Entwicklung der Moderne hatten, welche Strategien und Netzwerke sich diese zurechtlegten, um trotz des damals herrschenden, ihnen völlig widrigen gesellschaftlichen Normengefüges ein Leben als selbstständige Künstlerin führen zu können, und wer waren all die mitunter völlig vergessenen, in ihren Lebensläufen kaum mehr zu rekonstruierenden Künstlerinnen überhaupt, das sind die Themen der Ausstellung Die Blauen »Reiterreiterinnen«. Und hier sind sie:

Erma Bossi – Sonia Delaunay-Terk – Emmi Dresler – Elisabeth Epstein – Elisabeth Erdmann-Macke – Natalia Gontscharowa – Else Lasker-Schüler – Maria Franck-Marc – Olga Meerson – Gabriele Münter – Carla Pohle – Marianne von Werefkin

Eine Ausstellung des Museum Wiesbaden in Kooperation mit dem Paula Modersohn-Becker Museum in Bremen und der Städtischen Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau München sowie der Fondazione Marianne Werefkin in Ascona/CH

Nach zehn Jahren als junge aufstrebende Architektin und Möbeldesignerin verließ Charlotte Perriand (1903–1999 Paris, FR) 1937 das Studio von Le Corbusier. Dort war sie für zahlreiche Möbel- und Interiordesign-Projekte verantwortlich, die heute als begehrte Sammlungsgegenstände hoch im Kurs stehen. Gleichzeitig begann sie äußerst erfolgreich zu fotografieren, und übertrug ihre avantgardistische Architektur- und Designvisionen über die Aufnahmen von organischen Formen und Materialstudien auf das Medium Fotografie.

Das Museum der Moderne Salzburg organisiert gemeinsam mit den Kunstmuseen Krefeld und in enger Zusammenarbeit mit dem Nachlass der Künstlerin in Paris eine umfangreiche Ausstellung, die sowohl Perriands Leistungen auf dem Gebiet der Architektur und Designs, als auch der Fotografie Rechnung trägt.

Zur Ausstellung erscheint eine Publikation.

Kurator:innen: Katharina Ehrl und Barbara Herzog

Die Ausstellung zeigt erstmalig im deutschsprachigen Raum die Bandbreite der Angewandten Kunst aus einer lateinamerikanischen Perspektive. Im Zentrum steht hier die Vielfalt der Materialien und Techniken, sowie auch die sozialen und politischen Aspekte des traditionellen und zeitgenössischen Kunsthandwerks in Lateinamerika.

Es werden über 70 Arbeiten und Projekte einzelner Künstler:innen, Designer:innen und indigener Gemeinschaften (Native Communities) gezeigt, unter anderem aus: Argentinien, Bolivien, Brasilien, Chile, Ecuador, El Salvador, Kolumbien, Mexiko, Panama, Paraguay, Peru, Uruguay und Venezuela.

Zentrale Themen sind u.a. ökologischen Umgang mit natürlichen Ressourcen, Kunsthandwerk und Identität, die Rolle des Kunsthandwerks im Prozess der Dekolonialisierung, Kreislaufwirtschaft, die Wiederverwendung und das Recycling von Materialien, sowie Biodiversität und Fairer Handel. Darüber hinaus nehmen die rituellen, spirituellen und schützenden Objekte wie Talismane, und Objekte, die mit einer »Seele« versehen werden, eine wichtige Position ein.

Erstmalig werden die österreichische Künstlerin Maria Lassnig (1919–2014) und der norwegische Maler Edvard Munch (1863–1944) in einer großen Doppelschau gemeinsam gezeigt. Beiden gemeinsam ist nicht nur ihr einzigartiger Umgang mit Farbe als Gestaltungs- und Ausdruckselement, auch in ihrer lebendigen Pinselführung, und in ihren ungewöhnlich freien Experimenten der Maltechnik finden sich verblüffende Parallelen. Beide widmen sich den großen, existentiellen Gefühlen wie Trauer, Verzweiflung, Angst, Zorn, Freude oder Schmerz.

Zugleich sind es auch oftmals unbeachtete Empfindungen und Wahrnehmungsebenen, die künstlerisch reflektiert werden und eigene Bilderfindungen hervorrufen. Die Werke beider Künstler*innen bieten einen intimen Einblick in die jeweilige Biografie ihrer Erschaffer*innen und zeichnen darüber hinaus ein vielschichtiges Porträt ihrer Entstehungszeit. Die Ausstellung entsteht in Kooperation mit dem Kunsthaus Zürich.

Kurator:innen: 

Dr. Brigitte Kölle, Kuratorin und Sammlungsleiterin Hamburger Kunsthalle
Prof. Dr. Hans Dieter Huber, Gastkurator
Dr. Sandra Gianfreda, Kuratorin Kunsthaus Zürich

Assistenzkuratorin: Noura Persephone Johnson

Ein französisches Fischerdorf wird zum Mythos. Étretat, in der Normandie an der Atlantikküste gelegen, zog im 19. Jahrhundert zahlreiche Künstler in den Bann. Vor allem Claude Monet war von der einzigartigen Steilküste mit ihren drei Felsentoren – der Porte d’Amont, der Porte d’Aval und der Manneporte – derart fasziniert, dass er ihr etliche Gemälde widmete. Das Städel Museum präsentiert gemeinsam mit dem Musée des Beaux-Arts de Lyon eine große Ausstellung über die künstlerische Entdeckung von Étretat und den Einfluss des Ortes auf die Malerei der Moderne.

Aufregend schön und zugleich bedrohlich: Das Interesse galt vor allem der charakteristischen Klippenlandschaft Étretats. Maler und Schriftsteller reisten an den abgelegenen Ort und machten ihn durch ihre Werke über die Grenzen Frankreichs hinaus bekannt. Gustave Courbet malte hier seine berühmten Wellenbilder, Guy de Maupassant erhob Étretat literarisch zu einem Sehnsuchtsort und der Komponist Jacques Offenbach ließ sich in dem kleinen Küstenort eine großzügige Villa bauen. 

Mit der zunehmenden touristischen Erschließung um 1850 entwickelte sich Étretat zu einem beliebten Seebad und zu einem Treffpunkt für Künstler, Intellektuelle und das Pariser Bürgertum. Monet begann in Étretat unter den sich stets verändernden Licht- und Wetterverhältnissen erstmals, Motivreihen zu malen, eine Arbeitsweise, die sich später zu seinem Markenzeichen entwickeln sollte. So spielte Étretat eine bedeutende Rolle bei der Entstehung einer neuen Malerei, die später als Impressionismus in die Geschichte der Kunst einging.

Im Frühjahr 2026 werden in Frankfurt herausragende Gemälde, Zeichnungen, Fotografien und historische Dokumente aus französischen, deutschen und weiteren internationalen Museen sowie Privatsammlungen zu sehen sein. Die Werke moderner und zeitgenössischer Künstler – von Félix Vallotton und Henri Matisse über Georges Braques bis hin zu Elger Esser – verdeutlichen zudem die anhaltende Faszination, die von diesem Ort bis heute ausgeht. Seit mehr als 150 Jahren ist Étretat Urlaubsort und Ziel des internationalen Tourismus. Die Menschenströme bedrohen die Steilküste jedoch ebenso wie die Erosion und der Klimawandel. Die Untersuchung des Mythos Étretat ermöglicht es somit auch, wie unter einem Brennglas die ambivalenten Auswirkungen der Popularisierung eines Ortes und die Rolle, die die Kunst dabei spielte, nachzuvollziehen.

Kuratoren
Alexander Eiling (Sammlungsleiter Kunst der Moderne, Städel Museum)
Stéphane Paccoud (Conservateur en chef, Peintures et sculptures du XIXe siècle, Musée des Beaux-Arts de Lyon)
Isolde Pludermacher (Conservatrice générale peinture, Musée d’Orsay, Paris)

Projektleitung
Eva-Maria Höllerer (Kuratorin, Städel Museum)
Nelly Janotka (Wissenschaftliche Volontärin, Städel Museum)

Garn, Wolle und Stoff – eben Fäden – sind als Ausgangsmaterial in der zeitgenössischen Kunst spürbar »angesagt«. Es wird gestickt, gewebt, getuftet.

Bis in das 20. Jahrhundert hinein galt Weben, Nähen und Sticken noch als sogenannte »angewandte Kunst«, verbunden mit dem Weiblichen. »Handarbeiten« gehörte selbstverständlich zur bürgerlichen Ausbildung junger Frauen. Solche stereotypen Vorstellungen prägten sogar noch das Bauhaus, wo die Textilgestaltung den Frauen oblag. Die Fiber Art-Bewegung der 1960er- und 1970er-Jahre verhalf dem textilen Gestalten zur Emanzipation von der angewandten Kunst. Inzwischen scheinen sich die Grenzen beider Gattungen aufgelöst zu haben. Die Ausstellung zeigt anhand einzelner Positionen das Potential textiler Techniken für die zeitgenössische Kunstproduktion.

Ausgangspunkt sind die Arbeiten der Künstlerin Heidrun Schimmel, die 2024 mit dem 1. Preis der Triennale für zeitgenössische Kunst in Franken ausgezeichnet wurde.

Albrecht Dürer, außergewöhnlich vollständig: »Druckreif!« fokussiert sich auf den visionären graphischen Kosmos des weltbekannten Künstlers.

Im Mittelpunkt stehen Dürers bedeutende Serien wie etwa die spektakulär düstere Apokalypse, die vielfältigen Passionen oder das meisterhaft illustrierte Marienleben. Zusammen bilden sie den Rahmen für die vollständige Präsentation seiner berühmten Meisterstiche, die in außergewöhnlichem Umfang im Museum Otto Schäfer zusammengeführt sind.

Dabei geht die Ausstellung Dürers Bild- und Kunstmarktstrategien nach, die seinen nachhaltigen Erfolg erklären, der im 19. Jahrhundert einen weiteren Höhepunkt erreichte, wie es  auch die Graphische Sammlung des Museum Georg Schäfers erkennen lässt. Die beiden einzigartigen Sammlungen Otto und Georg Schäfers stehen hier im visuellen Austausch. 

Kuratoren: Jan Soldin (Museum Otto Schäfer), Ulf Dingerdissen (Museum Georg Schäfer)

Diese Ausstellung widmet sich zum ersten Mal zwei ganz unterschiedlichen Werkgruppen im Schaffen von Peter August Böckstiegel, den Aktdarstellungen und Blumenstillleben.

Während man letztere wie selbstverständlich mit dem Œuvre des Künstlers verbindet, scheint sich die Darstellung weiblicher und männlicher Akte nicht so recht mit der vertrauten Vorstellung des »westfälischen Expressionisten« und seiner Beschäftigung mit dem bäuerlichen Leben in Einklang bringen zu lassen. Doch auch dieses Sujet zieht sich durch Böckstiegels Werk. Vom Aktsaal der Dresdner Kunstakademie bis in die späte 1920er Jahre widmet sich der Künstler diesem Thema: Von frühen anatomischen Studien und zunehmend expressiveren Aquarellen, über Akte, die er selbst des Ersten Weltkriegs im großen Format als Lithografien zeichnen kann, bis hin zu überraschend intimen Darstellungen seiner Ehefrau als Zeichnung oder Gemälde – oft verdichtet Böckstiegel das Thema in kleinen Werkgruppen, die den Künstler über einen kurzen Zeitraum intensiv beschäftigt haben müssen.

Blumenstillleben sind dagegen zeitlebens von Bedeutung für den Künstler: »Die Blumen des Gartens und Feldes (…) entsprechen in ihrer einfachen, großen Form und starken Farbigkeit dem bäuerlichen, erdverbundenen Wesen, also dem, dem ich entstamme und darum Ausdruck geben muss«. Vorbilder für Böckstiegel wurden auf diesem Gebiet Emil Nolde und Lovis Corinth. Er lobt besonders die expressiven Stillleben Corinths, dessen „Blumen haben im Gegensatz zu Noldes Blumen meinen Vorzug, in der Spannung, der Naturnähe, in der ewig wiederkehrenden Naturnotwendigkeit. Alles ist mit Naturblut empfangen und wiedergegeben.« Böckstiegels Bilder spiegeln als zentraler Teil des »Sommerschaffens«, sie entstehen zumeist in der westfälischen Heimat, den seine Biografie bestimmenden Ortswechsel zwischen Werther und Dresden. Gleichsam weisen die Stillleben, die in großer Zahl erst seit Mitte der 1920er Jahren entstehen, auf künstlerische Entwicklungen und wirtschaftliche Herausforderungen Böckstiegels hin. Denn das Malen der »Blumen des Gartens und Feldes« wurde ein zunehmend wichtiger, für den Künstler besonders in den 1930er Jahren notwendig verkäuflicher Teil seines Schaffens. Im Frühjahr 1933 äußert sich Böckstiegel dazu unmissverständlich: »Werde solch ein Blumenbild in den nächsten Tagen malen, damit ich wieder neue Werke habe, die uns ja über Wasser halten müssen. Meine Blumengemälde wollen doch die Leute am meisten.«

Die Ausstellung will die Stillleben des Künstlers thematisch, jedoch auch biografisch und zeithistorisch kontextualisieren – und natürlich in Böckstiegels üppigen, farbstarken und oft opulent gerahmten »Blumenschicksalen« schwelgen. Sie zeigt rund 70 Werke des Künstlers – Gemälden, Aquarellen, Zeichnungen und Plastiken aus dem Bestand der Peter-August-Böckstiegel-Stiftung, aus öffentlichen und privaten Sammlungen. Viele davon sind zum ersten Mal oder seit langer Zeit zum ersten Mal zu sehen – eine kleine Publikation ist in Planung.

Bayrle widmet sich populären Werken der Kunstgeschichte ebenso wie dem Thema der Arbeit. Die SCHIRN präsentiert eine große Soloschau des in Frankfurt lebenden Künstlers.

Das umfassende Werk von Thomas Bayrle (*1937 in Berlin, Deutschland) handelt von den Gegensätzen zwischen Technologie, Pop- und Massenkultur sowie (Ersatz-)Religion und beschreibt den Weg von der Analogtechnik zur heutigen omnipräsenten Digitalität.

Das Zentrum der Ausstellung bilden Werke aus den letzten 15 Jahren, ergänzt durch Arbeiten aus den 1960er- und 1970er-Jahren, die den innovativen Grundstein seiner charakteristischen Superformen gelegt haben. Das Wiederholen, Vernetzen und Verweben von Einzelelementen zu einem Gesamtbild findet sich in nahezu allen Werken Bayrles und ist eng verbunden mit der Biografie des Künstlers.

Bayrle absolvierte zunächst eine Lehre als Maschinenweber, bevor er sich der Gebrauchs- und Druckgrafik zuwandte. Die Ausstellung geht mit dem Industriegebäude der Dondorf Druckerei einen Dialog ein und gibt einen Rückblick auf 60 Jahre Thomas Bayrle.

Kurator: Matthias Ulrich

In den kommenden zwei Jahren geht es rund in Bremen. 2026 begeht Paula Modersohn-Becker ihren 150. Geburtstag. 2027 wird ihr Museum in der Bremer Böttcherstraße 100 Jahre alt. Diese beiden Jubiläen feiern wir ausgiebig mit spektakulären Ausstellungen und einem spannenden und informativen Begleitprogramm. Im 1927 eröffneten, weltweit ersten Museum für eine Malerin beleuchten wir ihren Stellenwert etwa im Spiegel berühmter Zeitgenossinnen und -genossen.

Wer war Paula Modersohn-Becker und was sagen uns ihre Werke noch heute? Mehrere umfangreiche Retrospektiven haben die Malerin in den vergangenen Jahren auch einem internationalen Publikum nahegebracht. Ab dem 8. Februar 2026, ihrem 150. Geburtstag, wird Bremen zum Zentrum zweier intensiver Paula Modersohn-Becker Jahre. Eine runde Sache, aber sehen Sie selbst:

Becoming Paula

8. Februar–13. September 2026

Oktober 2024 – Eröffnung der Ausstellung »I Am Me« im Art Institute of Chicago. Wie kam es dazu, dass eine junge Frau, 1876 in Dresden geboren und zu Beginn des 20. Jahrhunderts in Bremen, Berlin, Worpswede und vor allem Paris künstlerisch sozialisiert, eine der auch international erfolgreichsten Malerinnen des 20. Jahrhunderts werden konnte? Mit teils bislang kaum gezeigten Werken, unbekannten Dokumenten und Ereignissen aus ihrem Leben gehen wir anlässlich ihres 150. Geburtstags der Frage nach, wie aus Paula Becker die bahnbrechende Künstlerin Paula Modersohn-Becker wurde.

Wiebke Mertens. Karin-Hollweg-Preis 2024

13. Juni–13. September 2026

Fragmente von Körpern, manche verhüllt, andere nackt. Menschliche Körper, wie sie eben so sind mit all ihren Dellen und Unebenheiten. Im Zeitalter der Social-Media- und KI-befeuerten Selbstoptimierung wirken die Bilder von Wiebke Mertens erfrischend unangepasst. Die Preisträgerin des Karin-Hollweg-Preises 2024 präsentiert neue Arbeiten im Paula Modersohn-Becker Museum.

Paula Modersohn-Becker (1876–1907) und Edvard Munch (1863–1944) sind zwei Ausnahmeerscheinungen in der Malerei des 20. Jahrhunderts. In ihren ausdrucksstarken Bildern fanden sie innovative künstlerische Antworten auf Fragen ihrer Zeit, die sich an das Leben richteten – von der Geburt bis zum Tod.

Die SCHIRN präsentiert die erste große Einzelausstellung des Künstler:innen-Duos in Deutschland mit einer eigens entwickelten Neuproduktion.

Die Filminstallationen von Bárbara Wagner (*1980, Brasília, Brasilien) & Benjamin de Burca (*1975, München, Deutschland) widmen sich kulturellen Bewegungen und kollektiven Praktiken, die außerhalb des etablierten Gebiets der zeitgenössischen Kunst stattfinden. Bezeichnend für ihren künstlerischen Prozess ist die kollaborative Zusammenarbeit, die jeweiligen Gruppen haben aktiv teil an der Gestaltung von Skript, Bühnenbild, Musik, Choreografie und Inszenierung.

Eindrucksvoll unterstreichen die audiovisuellen Arbeiten von Wagner & de Burca implizit drängende sozio-politische Probleme in den Gemeinschaften der Darsteller:innen und wie diese durch die kulturellen Ausdrucksformen, mit denen sie sich identifizieren, eine Stimme finden.

Die SCHIRN präsentiert die erste große Einzelausstellung des Künstler:innen-Duos in Deutschland mit einer eigens entwickelten Neuproduktion. Diese Videoinstallation widmet sich der Hardcore-Szene und insbesondere Straight Edge (kurz »sXe«), eine Bewegung, die an der Ostküste der USA als »cleane« Gegenkultur innerhalb der Post-Hardcore-Punkszene der 1980er-Jahre entstand. Mit ihrem Verzicht auf Drogen, Fleisch und einer Hinwendung zur »Do it yourself«-Ästhetik rebellierte die Bewegung gegen selbstzerstörerischen Hedonismus und den Mainstream. Im post-pandemischen Zeitalter, das ein neues Verständnis von politischem und sozialem Aktivismus und Inklusion definiert, erleben die Hardcore-Punk-Szene und sXe ein bemerkenswertes Wiederaufleben.

Kuratorin: Katharina Dohm

Die Mitgliederausstellung zeigt jedes Jahr die bunte Vielfalt unserer kunstschaffenden Mitglieder und bietet dabei die Möglichkeit die lokale Kunstszene kennenzulernen und die ausgestellten Werke zu kaufen. Auch Nicht-Mitglieder können die Arbeiten erwerben und damit die Künstler:innen unterstützen.
Am Ende eines jeden Jahres präsentiert der Badische Kunstverein traditionell auch Arbeiten der Künstler:innen, die über das Jahr hinweg in unseren Räumen ausgestellt haben. Unsere Mitglieder haben exklusiv die Möglichkeit, diese Jahresgaben zu besonderen Preisen zu erwerben und damit die künstlerische Produktion sowie den Badischen Kunstverein zu fördern.

Alle noch erhältlichen Jahresgaben und ausstellungsbezogenen Editionen des Kunstvereins sind das ganze Jahr über erhältlich. Sie finden diese in einer vom Kunstverein herausgegebenen Broschüre sowie auf einer eigenen Website: www.bkv-jahresgaben.de

Eröffnung: 21. Dezember 2025, 17 Uhr

Die diesjährige Jahresausstellung des Kunstvereins bietet den Mitgliedern die Gelegenheit, die Ergebnisse ihrer aktuellen künstlerischen Arbeit in den Räumlichkeiten des Kunstvereins zu präsentieren. Nähere Informationen in der Jahreshauptversammlung (der Termin wird rechtzeitig bekanntgegeben).

Hans Ticha (*1940) zählt zu den eigenwilligsten, unverwechselbaren und nonkonformen Künstlern Deutschlands. Bereits vor dem Fall der Mauer ist seine künstlerische Sprache weniger vom sozialistischen Realismus als von der Moderne geprägt. Die Kunsthalle Rostock plant die bisher umfangreichste Ausstellung zu diesem Ausnahmekünstler. Besonderes Interesse der Kunsthalle Rostock liegt im bundeslandübergreifenden Agieren. Aus diesem Grund wird es mit dem Neuen Museum – Staatliches Museum für Kunst und Design in Nürnberg eine Kooperation geben, um die Dimension der Betrachtung durch den westdeutschsozialisierten Blick auf Hans Ticha zu erweitern, der 1990 nach Mainz zog und dort weiterhin künstlerisch tätig ist. Die retrospektiv angelegte Ausstellung zu Hans Ticha stellt neben zahlreichen Museumsleihgaben, vor allem Gemälde, Arbeiten auf Papier und dreidimensionale Werke vor, die in diesem Umfang als auch in der thematischen Breite bisher noch nicht zu sehen waren. Politische Themen setzen neben Arbeiten mit Motiven zu Strand, Sport, Musik und Tanz signifikante Schwerpunkte. Mit dieser Auswahl vermittelt die Ausstellung einen eindrucksvollen und facettenreichen Einblick in das Schaffen von Hans Ticha.

Mit dieser Ausstellung besinnt sich das Archiv seiner Wurzeln und seines Initiators Martin Roth, denn es war seine unkonventionelle Art und seine Leidenschaft, die Gerhard Richter veranlasst hat, sein Archiv an die Staatlichen Kunstsammlungen Dresden zu geben, wie der Künstler 2017 konstatierte.

»Es war damals letztlich ein wunderbares Zusammentreffen mit Roth. Meine Verbindung zu Dresden ist auf diese Weise wiedererwacht. Die Idee das Archiv in Dresden anzusiedeln, war gleichbedeutend mit der Idee, überhaupt ein Richter-Archiv zu schaffen. Und ich habe es als eine Ehre empfunden, so etwas angeboten zu bekommen.«

Seit Februar 2006 sammelt das Archiv alles über das Leben und Werk Gerhard Richters. Neben Kunstwerken befinden sich im Bestand Kataloge, Monografien und Fachzeitschriften, Plakate, Einladungskarten, Faltblätter sowie zahlreiche Archivalien, die hier weniger vermutet werden, wie Romane, Kinderbücher und Spielzeug, Streichhölzer, Textilien, Musik und Kinofilme.

Anlässlich des 20-jährigen Bestehens des Gerhard Richter Archivs wird eine Auswahl aus diesem Bestand präsentiert darunter auch kuriosere Archivalien wie ein 1992 von Richter entworfene Kaffeeservice, Einladungskarten mit Gummibärchen und Luftballon sowie ein Sammlungskatalog auf Rädern. Die meisten Exponate sind bislang weder ausgestellt noch veröffentlicht worden. 

Die Staatlichen Kunstsammlungen Dresden geben anlässlich des zwanzigjährigen Bestehens des Gerhard Richter Archiv mit der Ausstellung Einblick in die Rezeption der Kunst von Gerhard Richter und in den Kosmos des Künstlerarchivs.

Im Zentrum der Ausstellung des Künstlers Saâdane Afif (geboren 1970) steht das vielteilige Werk »The Fountain Archives« (2008–2022), das 2023 als Schenkung an die Nationalgalerie kam und im Hamburger Bahnhof erstmals der Öffentlichkeit präsentiert wird. In Form eines künstlerischen Archivprojekts hat Afif die Rezeptionsgeschichte des legendären Readymades »Fountain« von Marcel Duchamp aus dem Jahr 1917 nachgezeichnet. Die Ausstellung zeigt dieses einem prominenten Kapitel der Kunstgeschichte des 20. Jahrhunderts gewidmete Werk zusammen mit weiteren Arbeiten des Künstlers, die tiefgründig und mit feinem Humor die Institution des Kunstmuseums hinterfragen.

Die französische Modedesignerin Madame Grès (1903–1993) gilt als eine der wichtigsten Wegbereiterinnen der Haute Couture im 20. Jahrhundert. Das Kunstgewerbemuseum Berlin und der Fachbereich »School of Culture and Design« der Hochschule für Technik und Wirtschaft Berlin planen gemeinsam eine Ausstellung, die erstmalig im deutschsprachigen Raum das Schaffen von Madame Grès beleuchten wird.

Bekannt wird Grès bereits in den 1930er-Jahren durch ihre bodenlangen, plissierten Kleider, für die sie sich von antiken Skulpturen inspirieren ließ. Nach der Besetzung Paris durch die Nationalsozialisten und ihrer Rückkehr dorthin setzte sich ihr Erfolg auch bis in die 1960er-Jahre fort. Als Präsidentin des Chambre Syndicale de la Haute Couture erhielt sie 1976 den Preis Dé d’Or, die höchste Auszeichnung der Chambre Syndicale. In den 1980ern schwindet der Erfolg des Unternehmens, es wird verkauft.

Grès Entwürfe spiegeln eine stetige Auseinandersetzung mit Kunst und Kultur wider. Das Kunstgewerbemuseum besitzt 24 Outfits von Grès, vornehmlich aus den 1960–80er-Jahren.

Anlässlich des 500. Todestages von Jakob Fugger dem Reichen zeigen die Kunstsammlungen und Museen Augsburg in Kooperation mit den Fürstlich und Gräflich Fuggersche Stiftungen eine Sonderausstellung zu den reichen Kunstschätzen aus der Zeit der Fugger. Die Ausstellung, die am 11. Dezember 2025 eröffnen wird, knüpft damit an den Höhepunkt des Programms zum Gedenkjahr der Fuggerschen Stiftungen im Winter 2025 an.

Die kunsthistorische Ausstellung beschäftigt sich vornehmlich mit der Bedeutung der Fugger als wichtige Akteure und Förderer der zeitgenössischen Kunstproduktion. Präsentiert werden länger nicht gezeigte Gemälde aber auch neu erworbener Schmuck, Kunsthandwerk und Grafik. Hierbei werden die eigenen Bestände der Kunstsammlungen und Museen Augsburg durch Leihgaben ergänzt.

Eröffnung: 11. Dezember 2025, 18 Uhr

Die ALBERTINA beherbergt weltweit eine der größten Sammlungen an Zeichnungen, Druckgrafiken und künstlerischen Arbeiten auf Papier. Aus diesem reichhaltigen Fundus schöpfend, widmet sich diese außergewöhnliche Schau der Vielfalt und Faszination des Papiers in all ihren Facetten.

Epochenübergreifend, mehrere Jahrhunderte vom 15. Jahrhundert bis in die Gegenwart, vereint die Ausstellung Werke aus der Grafischen Sammlung, der Architektursammlung und der Sammlung zeitgenössischer Kunst: Kupferstiche zu Spielkarten, monumentale mehrteilige und dreidimensionale Objekte sowie selten gezeigte Werke veranschaulichen die Bandbreite dieser einzigartigen Sammlung und Kunstgattung. Durch überraschende Gegenüberstellungen wird die Vielseitigkeit des Mediums Papier in Szene gesetzt.

Die Written Art Collection ist künstlerischen Positionen seit 1945 gewidmet, die in drei unterschiedlichen Kulturräumen Sprache, Schrift und Bild verknüpfen. Die Faszination für das Phänomen von Schrift im Bild ist davon getragen, interkulturelle Zusammenhänge von Schreiben, Zeichnen und Malen aufzudecken. Im Mittelpunkt stehen expressive, abstrakte oder spirituelle Elemente der visuellen Sprachen der Moderne – in Westeuropa und den USA, im Nahen und Mittleren Osten sowie in Ostasien. Die ausgestellten Werke stimulieren die Imagination durch Schichtungen und Kombinationen von Zeichen, Gesten und Worten. Die Grenzen von individueller Erfahrung und kollektiver Erinnerung, von realer und imaginierter Sprache sowie von existierenden und utopischen Orten verwischen und ermöglichen kulturüberschreitende Begegnungen.

Mit Werken von u.a. Etel Adnan, Maliheh Afnan, Siah Armajani, Mohammed Ehsai, Susan Hefuna, Rebecca Horn, Adam Pendleton, Morita Shiryū, Kazuo Shiraga, Hiroshi Sugimoto, Mark Tobey, Qiu Zhijie, Lawrence Weiner, Inoue Yūichi, Charles Hossein Zenderoudi.

Kuratiert von Oliver Kase und N.N.

Das künstlerische Werk von Frank Maibier zeichnet sich durch eine große Sensibilität für Materialien, Formen und Schriften aus. Papier wird gefaltet, gefärbt, gerollt und perforiert; es wird gestärkt und verletzt und so die Grenzen seiner Eigenschaften ausgelotet. Ebenso verhält es sich mit großen Skulpturen, aus Holz, Stahl oder Kunststoffen für die der Chemnitzer Künstler ein Formenvokabular entwickelt, das, konstruktivistisch oder organisch, mit Statik und Balancen spielt. Maibier schärft den Blick für Materialstrukturen und die ihr innewohnenden Bewegungspotenziale. Die Ausstellung zeigt Papierarbeiten, Zeichnungen, Skulpturen, Installationen sowie Klangarbeiten aus verschiedenen Schaffensphasen und eigens für die Präsentation entwickelte neue Werke.

Die Written Art Collection ist künstlerischen Positionen von der Mitte des 20. Jahrhunderts bis zur Gegenwart gewidmet, die unterschiedliche Kulturräume durch Sprache, Schrift und Bild verbinden. Das Phänomen der Schrift im Bild wird im handschriftlichen Ausdruck, in Kalligrafie und Typografie erkundet. Die Sammlung ist von der Idee getragen, nicht nur interkulturelle Zusammenhänge, sondern auch deren kritisches Potenzial durch politische Konflikte aufzuzeigen. Im Mittelpunkt stehen expressive, konzeptuelle, poetische oder spirituelle Gesten – in Europa und den USA, im Nahen und Mittleren Osten sowie in Ostasien. 

Ausgehend vom Informel der 1950er-Jahre und der gestischen Abstraktion stellen die über 100 präsentierten Werke die Kontinuität der Bedeutung geschriebener Kunst über Generationen und Kulturen hinweg vor. Künstler:innen erfinden fantasievolle Alphabete und abstrakte Zeichensprachen, schreiben Gedichte und Kalendereinträge, zitieren aus Literatur und politischen Dokumenten, übersetzen Gedanken und Gespräche in gesprayte, grafische, gestische oder gestickte Botschaften. Die Performativität des Schreibens wird in materiellen und körperlichen Spuren in der Malerei und Fotografie sowie in raumgreifenden Werken erfahrbar. Der Ausstellungstitel ist inspiriert von dem Werk »Mashrabiya – Knowledge is Sweeter than Honey« (2012) der ägyptisch-deutschen Künstlerin Susan Hefuna. Er reflektiert die poetische Kraft der Kunst in der Vermittlung und Weitergabe von Wissen. 

Mit Werken von u.a. Etel Adnan, Maliheh Afnan, Karel Appel, Siah Armajani, Sophie Calle, Claudia Comte, Thierry De Cordier, Mohammed Ehsai, Golnaz Fathi, Karl Otto Götz, Katharina Grosse, Gu Wenda, Andreas Gursky, Hans Hartung, Susan Hefuna, Jenny Holzer, Rebecca Horn, Inoue Yu-ichi, On Kawara, Franz Kline, Rachid Koraïchi, Glenn Ligon, Brice Marden, Georges Mathieu, Morita Shiryū, Adam Pendleton, Qiu Zhijie, Walid Raad, Ed Ruscha, Kazuo Shiraga, Hiroshi Sugimoto, Mark Tobey, Fabienne Verdier, Lawrence Weiner, Fritz Winter. 

Kuratiert von Madeleine Freund und Oliver Kase in Zusammenarbeit mit Thomas Kellein und Marie-Kathrin Krimphoff (Written Art Collection) 

Die Ausstellung fokussiert auf Helmut Langs Vision von Gestaltung und Identität zwischen 1986 und 2005 und zeigt Langs Rolle als Pionier, der auf künstlerische Strategien setzte, lange bevor er sich 2005 aus der Modeindustrie zurückzog, um sich auf seine künstlerische Praxis zu konzentrieren.

Mit seinem medienübergreifenden Zugang sprengte Helmut Lang tradierte Konventionen und setzte mit kompromissloser Weitsicht neue Maßstäbe für Bekleidung, Grafikdesign, Inszenierung, Architektur, experimentelles Branding, interdisziplinäre Kollaboration und digitale Kommunikation. 1998 war Lang der erste Designer, der eine Runway-­Show online präsentierte und damit antizipierte, wie Mode in Zukunft global wahrgenommen werden sollte. Um die neue Website zu promoten, wurden rund 1.000 Werbeanzeigen auf Taxi­-Tops gelauncht, die zum Markenzeichen der Stadt New York wurden.
 

Lang definierte seine Arbeit nicht nur über Kleidung, sondern als Medium der Kommunikation und Teil einer größeren kulturellen Erzählung. Seine als »Séance de Travail« (Arbeitssitzung) bezeichneten Modepräsentationen waren ebenso wie seine Flagship-Stores in New York und Paris Statements für ein strategisches Umdenken, welches das Gesamterlebnis über bloßen Konsum stellte.

Durch seine Zusammenarbeit mit Künstler:innen wie Louise Bourgeois, Jenny Holzer, Robert Mapplethorpe, Jürgen Teller und anderen prägte er eine neue Bildsprache, mit der er die Grenzen zwischen den kreativen Disziplinen neu definierte und seine Rolle und seinen Einfluss auf Mode und Kultur bis heute festschrieb. Die Ausstellung ermöglicht einen einzigartigen Einblick in das Mindset des visionären Designers und Künstlers. Sie verzichtet auf eine Präsentation von physischen Kleidungsstücken und inszeniert Langs Arbeit zeitgenössisch und multimedial in raumgreifenden, ortsspezifischen Installationen, ergänzt durch ausgewähltes Originalmaterial aus dem MAK Helmut Lang Archiv und dem eigenen Archiv des Künstlers.

KURATORIN: Marlies Wirth, Kuratorin Digitale Kultur, Kustodin MAK Sammlung Design

WISSENSCHAFTLICHE MITARBEIT: Lara Steinhäußer, Kustodin MAK Sammlung Textilien und Teppiche

Der Kunstpreis der Schleswig-Holsteinischen Wirtschaft geht 2025 an Daniel Richter. Kaum ein Künstler aus Schleswig-Holstein hat in den vergangenen Jahren so viel internationale Aufmerksamkeit auf sich gezogen wie er. Aufgewachsen in Lütjenburg (Kreis Plön) war Richter in den 1990er Jahren eine der prägenden Gestalten der Hamburger Kunst- und Alternativmusikszene.

Seinen internationalen Durchbruch als Maler erreichte er Anfang der 2000er Jahre mit großformatigen Werken, die vielfach von Darstellungen aus Zeitungen oder historischen Büchern inspiriert waren. Seine neueren Werke bewegen sich zwischen Figuration und Abstraktion. Daniel Richter ist Professor an der Akademie der bildenden Künste in Wien. Seine Werke werden international gezeigt, Einzelausstellungen gab es in den vergangenen Jahren u.a. in Frankfurt, Wien, Louisiana, London oder Denver.

Die Gottorfer Präsentation wird die erste Richter-Ausstellung in Schleswig-Holstein seit über 20 Jahren sein (2001 Kunsthalle Kiel). Der Kunstpreis der Schleswig-Holsteinischen Wirtschaft wird alle zwei Jahre in Zusammenarbeit mit dem Landesmuseum vergeben. Verliehen wird der Preis von der Dr. Dietrich Schulz-Kunststiftung, die eng mit dem Kulturring der Studien- und Fördergesellschaft der SH Wirtschaft verbunden ist.

Die Ausstellung internationaler Kinderbücher präsentiert seit 70 Jahren besonders schöne Ausgaben des jeweils vergangenen Jahres. Kinderbücher sind ein Spiegel der Welt und können damit Begleiter in unterschiedlichsten Lebenssituationen sein. Bunte Leselandschaften laden ein zum Schauen, Lesen und Entdecken!

Die Schau KUNST UM 1800 stellt den legendären gleichnamigen Ausstellungszyklus der Hamburger Kunsthalle in den Mittelpunkt: Von 1974 bis 1981 widmete sich die Ausstellungsreihe in neun Teilen der Wirkmacht von Kunstwerken im Zeitalter der Revolutionen« und prägte Debatten über die gesellschaftliche Relevanz von Kunst, die bis heute nachwirken. Die Ausstellungsreihe revidierte Narrative der europäischen Kunstgeschichte, indem sie Themen und Künstler ins Zentrum stellte, die mit den Konventionen ihrer Zeit brachen: Ossian, Caspar David Friedrich, Johann Heinrich Füssli, William Blake, Johan Tobias Sergel, William Turner, Philipp Otto Runge, John Flaxman und Francisco Goya. Die Ausstellung KUNST UM 1800 wird die historischen Displays, die unter der Regie des damaligen Direktors Werner Hofmann entstanden, aus einer gegenwärtigen Perspektive kommentieren und aktualisieren. Dazu werden über 50 Gemälde, Bücher und graphische Arbeiten der Sammlung der Kunsthalle aus der Zeit um 1800 im Zusammenspiel mit ausgewählten Leihgaben und Werken zeitgenössischer Künstler:innen gebracht. 

In drei Abschnitten wird KUNST UM 1800 Themen wie Träume, politische Land-schaften und revolutionäre Energien aus der Jetztzeit betrachten. Darüber hinaus werden Aspekte, die in den Shows der 1970er Jahre fehlten oder nur ansatzweise zum Vorschein kamen, jedoch für die Zeit um 1800 relevant sind, betont: Feminismus, jüdische Kultur und People of Colour.  

Ausstellungsort ist – wie damals – der Kuppelsaal im Obergeschoss des 1919 eingeweihten An- und Erweiterungsbaus. Er wurde in den 1970er Jahren als zentraler »Denk-Raum« sowie kuratorisches Experimentierfeld genutzt. Die Ausstellungsarchitektur gestaltet der Bildhauer Marten Schech aus Berlin in Form einer skulpturalen Intervention.

Gastkurator:innen: Prof. Dr. Petra Lange-Berndt (Universität Hamburg) und Prof. Dr. Dietmar Rübel (Akademie der Bildenden Künste München)

Claudia Pagès Rabal ist bildende Künstlerin, Performerin und Schriftstellerin. Mit den Mitteln der Sprache, dem Einsatz ihres eigenen und von der Künstlerin choreografierter Körper, Bewegung und Musik stellt sie Themen wie gesellschaftliche Hierarchien, Zugehörigkeitsgefühl, queere Körperökonomien und Begehren zur Diskussion. Im mumok wird die Künstlerin eine neue Auftragsarbeit in Kollaboration mit der Chisenhale Gallery in London und entwickelt in Zusammenarbeit mit Tractora Koop in Bilbao präsentieren. Sie setzt darin ihre Untersuchungen über die iberische Halbinsel während der Zeit von al-Andalus – der arabische Name für die zwischen 711 und 1492 muslimisch beherrschten Teile – fort, indem sie sich Befestigungsanlagen im Landesinneren von Katalonien widmet. Fünf Verteidigungstürme, die mitten in der politisch-militärischen Grenzregion der so genannten Spanischen Mark errichtet wurden, sind dabei der Ausgangspunkt für ein Video aus choreografierten Tanz-, Licht- und Tonsequenzen, in dem die Künstlerin Fragen nach nationaler Zugehörigkeit, der Konstruktion von politischen Systemen und den daran geknüpften Legenden in der Schwebe hält. 

Produziert im Rahmen der Ausschreibung von »la Caixa« Foundation Support for Creation'24. Production.

Claudia Pagès Rabal (geb. 1990, Barcelona) lebt und arbeitet in Barcelona. Ausgewählte Ausstellungen: Manifesta 15, Barcelona, 2024; Scene I. Making landscape, IVAM, Valencia, 2024; Typo-Topo-Time Aljibe, Sculpture Center, New York, 2023; Uno, CA2M, Madrid, 2023; Banditry, Fundació Joan Miró, Barcelona, 2023; Gerundi Circular, Tabakalera, Donostia, 2022; Some of It Falls from the Belt and Lands on the Walkway Beside the Conveyor, Vleeshal, Middelburg, 2022; Panorama MACBA, Barcelona, 2022; Rats and Roaches, CAPC, Bordeaux, 2022; The Living House, Kunstverein Braunschweig, Braunschweig, 2021; March Meetings, Sharjah Art Foundation, UAE, 2018. Im Jahr 2020 veröffentlichte sie her hair bei Onomatopee, 2024 ihren ersten Roman Més de dues aigües bei Empúries Narrativa, und 2025 wird sie ein neues Buch bei Wendy’s Subway herausbringen. Pagès Rabal wurde 2022 mit dem Ojo Crítico Visual Arts Award ausgezeichnet und war 2017 Artist in Residence bei Gasworks, London, und 2020 bei Triangle France, Marseille.

Kuratiert von Franz Thalmair

Eröffnung: 3. Dezember 2025, 19 Uhr