Ausstellungen

Erma Bossi – Sonia Delaunay-Terk – Emmi Dresler – Elisabeth Epstein – Elisabeth Erdmann-Macke – Natalija Gontscharowa – Else Lasker-Schüler – Maria Franck-Marc – Olga Meerson – Gabriele Münter – Carla Pohle – Marianne von Werefkin

»Hochverehrte Prinzessin, vieladeliger wilder Junge, süße Malerin, wann darf ich kommen – ich träume von der Süßigkeit Ihrer Bilder. (Der Prinz von Theben) Else Lasker-Schüler (Der blauen Reiterreiterin Freundin.)«

Else Lasker-Schüler an Marianne von Werefkin 1913

In einem Brief an Marianne von Werefkin erfand die expressionistische Dichterin Else Lasker-Schüler 1913 den einprägsamen Begriff der »Blauen Reiterreiterin«.

Dass neben Werefkin zahlreiche Künstlerinnen im Umfeld der Bewegung und ihren Ausstellungen aktiv waren und sie entscheidend mitprägten, zählt zu den Besonderheiten des »Blauen Reiters«. Neben Werefkin und Gabriele Münter sind darunter Maria Franck-Marc und Elisabeth Epstein, die ein grenzüberschreitendes Netzwerk zu Erma Bossi, Sonia Delaunay und Natalija Gontscharowa aufbauten. Ihre Rollen innerhalb des »Blauen Reiters«, ihre Einflüsse auf die ästhetische Theorie und Kunst der Bewegung sowie ihr Wirken über den Ersten Weltkrieg hinaus sind nun erstmals Thema einer umfassenden Ausstellung, die an vier Stationen in Deutschland sowie der Schweiz präsentiert wird. Der Titel geht auf die Überformung Lasker-Schülers zurück und gewährt bereits einen Einblick in die komplexen emanzipatorischen Bestrebungen der Künstlerinnen.

Mit der Ausstellung feiert das Paula Modersohn-Becker Museum als weltweit erstes Museum, das dem Werk einer Malerin gewidmet ist, am 2. Juni 2027 sein 100-jähriges Bestehen. Die Bremer Pionierin der Moderne wird dann auf zwölf Zeitgenossinnen treffen, die ihr Ziel teilten, in ihrer Kunst mit etablierten Wahrnehmungsgewohnheiten zu brechen.

Eine Ausstellung des Paula Modersohn-Becker Museums in Kooperation mit dem Museum Wiesbaden und der Städtischen Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau München sowie der Fondazione Marianne Werefkin in Ascona/CH

Die Festspiele Ein Gebäude tritt auf befassen sich mit zwei historischen öffentlichen Ereignissen des Bauhauses: mit der Eröffnung des Bauhausgebäudes am 4.12.1926 sowie dessen Wiedereröffnung 1976 als Wissenschaftlich-Kulturelles Zentrum. In Installationen, Aktionen, Foren und Aufführungen werden die unterschiedlichen geopolitischen Kontexte und historischen Öffentlichkeiten der beiden Ereignisse erkundet. Das Bauhausgebäude und die Geschichte der Institution bilden dabei den Resonanzraum vielstimmiger und kontroverser Erinnerungen. Wir schaffen Raum für aktuelle Debatten über die Rolle der Kulturinstitutionen, welche Foren der Diversität, der demokratischen Teilhabe und kulturellen Ko-Produktion sein sollen.

Festspiele: 4./5. Dezember 2026

In diesem Jahr begeht der Rostocker Kunstpreis sein 20. Jubiläum. Anlass genug, um sich innerhalb der Ausschreibung der Kategorie der Königsdisziplin der Malerei zu widmen. Alle professionellen Künstler sind aufgerufen, sich zu bewerben, sofern sie auf eine Verbindung zum Bundesland Mecklenburg-Vorpommern verweisen können. Die Kunsthalle Rostock und die Kulturstiftung Rostock e.V. veranstalteten mittlerweile seit 20 Jahren gemeinsam den landesweit renommierten Preis. Gestiftet wird er von Beginn an von der PROVINZIAL-Versicherung mit 10.000 €. Nach der Jurierung durch Juroren aus ganz Deutschland und MV werden vier Kanditaten eingeladen, ihre Werke in der Kunsthalle Rostock auszustellen und so einem großen Publikum vorzustellen. Im Anschluss erfolgt die finale Jurierung. Während eines Festaktes wird die/ der Preisträger gekürt.

Der Preis stärkt die nordostdeutsche Ostseeregion mit einer Strahlkraft über diese hinaus.

Mit Beginn der zweiten Jahreshälfte startet auch die neue Ausstellungssaison. Im Sommer können sich Kunstschaffende jedes Jahr beim Aargauer Kuratorium bewerben. Auf Grundlage dieser Eingaben vergibt das Kuratorium Werk- und Förderbeiträge für Kunstschaffende mit engen Verbindungen zum Kanton Aargau. Die Auswahl zeigt jeweils rund fünfzig Arbeiten auf zwei Stockwerken des Aargauer Kunsthauses. Besuchende erhalten so einen einzigartigen Einblick in die Kunst aus der Region.

Fotografie kann uns ins Staunen versetzen, uns zweifeln oder glauben lassen. Dabei spielt nicht nur das Motiv eine Rolle, sondern auch die Materialität der Fotografie. Ob auf Glas, Papier oder Bildschirm, jede Erscheinungsform des Mediums lenkt unsere Wahrnehmung. Digitale Verfahren und die Nutzung Künstlicher Intelligenz stellen den Objektcharakter der Fotografie zunehmend infrage.

Was macht eine Fotografie aus, woraus besteht sie? Die Kunstbibliothek bewahrt in ihrer Sammlung Fotografie eine große Vielfalt unterschiedlichster Foto-Objekte, deren Lebens- und Rezeptionsgeschichten einem fortlaufenden Wandel unterworfen sind. Die Ausstellung greift ausgehend von einer Materialgeschichte der Fotografie Aspekte der Technik, der Erinnerungs- und Wissenskultur auf und führt von den Anfängen des Mediums bis heute.

In den Jahresendspurt geht die Bundeskunsthalle mit einer große Überblicksschau, die erstmals in Europa zentrale Werke von mehr als 60 Künstlerinnen aus Lateinamerika von Mexiko bis Argentinien vereint. Lateinamerikanische Künstlerinnen. Von Frida Kahlo bis heute spannt einen großen Bogen über mehr als ein Jahrhundert, der berühmte Künstlerinnen mit solchen vereint, die über die Jahrzehnte in Vergessenheit geraten sind. Die Ausstellung geht den eigenständigen künstlerischen Sprachen auch in ihrer Bedeutung für kulturelle Identitäten und Prozesse der (weiblichen) Selbstermächtigung nach.

Das Museum Tinguely setzt die Reihe zu den menschlichen Sinnen in den bildenden Künsten fort. In der Gruppenausstellung zum Sehsinn werden Kunstwerke verschiedener Medien von der Zeit des Barocks bis zur Gegenwart präsentiert, die eine Vielfalt von überraschenden Seherfahrungen bieten. Beim Betrachten von Kunst werden wir unweigerlich mit Prämissen unserer visuellen Wahrnehmung konfrontiert: dem Zusammenspiel von Licht, Dunkelheit, Farbe, Bewegung und Raum. Seit Jahrhunderten experimentieren Künstler:innen mit Techniken, Mechanismen und apparativen Hilfsmitteln, um die von kulturellen Faktoren geprägten Bedingungen des optischen Erlebens unserer Umwelt und deren Repräsentation in der Kunst zu hinterfragen und neu zu erfinden. Oft trüben sie dabei absichtlich unsere alltägliche Sicht auf die Realität, indem sie in ihre Werke Störfaktoren und Illusionen integrieren, wie Verzerrungen, Umkehrungen oder Spiegelungen.

Ohne Tiere wäre das Leben der Menschen kaum denkbar. Die Ausstellung lädt dazu ein, die besondere Beziehung neu zu betrachten: durch die Augen der Kunst – zwischen Nähe und Distanz, Bewunderung und Beherrschung, Zuneigung und Zweck. Werke von Albrecht Dürer, Franz Marc, Louise Bourgeois treten in einen spannungsvollen Dialog mit naturwissenschaftlichen Präparaten und zeitgenössischen Interpretationen.

Frankreich war stets eine wichtige Bezugsgröße in der bayerischen Geschichte, Politik und Kultur. Davon zeugt auch die Gemäldesammlung der Alten Pinakothek – mit früh erworbenen Gemälden von Claude Lorrain und Nicolas Poussin oder mit Porträts, die französische Maler im Dienste der Wittelsbacher gefertigt haben. Ausgehend von einem aktuellen Erschließungs- und Forschungsprojekt wagt die Ausstellung einen neuen Blick auf diesen besonderen Sammlungsbestand. 

Die Erwerbungs- bzw. Auftragsgeschichten ausgewählter Werke bilden den roten Faden. Zugleich eröffnen sich, ergänzt durch ausgesuchte internationale Leihgaben, Einblicke in Stationen der französischen Malereigeschichte – und in das Leben der sehr mobilen und europaweit tätigen Künstler. So entfaltet sich ein differenziertes Panorama; ganz unterschiedliche Ausdrucksweisen und Bildgattungen lassen sich entdecken. Deutlich wird dabei, dass sich die Betrachtungsweisen und die Vorstellungen von einer »französischen Kunst« im Laufe der Zeit wandelten – und dass auch ihre museale Präsentation eine Geschichte hat.

The imagery of Pakistani-born artist Aïcha Khorchid resembles a journey through her life and visualizes her search for security, identity, and ultimately herself.

In addition to the sensual and metaphorical works painted on large wooden panels, which skillfully play with the materiality of their medium and the varying opacity of the paint application, the exhibition uses powerful imagery to address experiences and impressions from Aïcha Khorchid’s post-migrant life in Normandy and Paris. Her almost life-size figures, presented frontally, seek the viewer’s gaze and convey great emotional power. Surrounded by an often cool color palette, they hint at pain and loss. Aïcha Khorchid. The Sea Is Not Blue is the artist’s first institutional solo exhibition.

Die Werkschau des Kantons Zürich präsentiert jährlich das aktuelle und vielfältige Zürcher Kunstschaffen. Ausgestellt werden 24 künstlerische Positionen aus dem Kanton Zürich, die für einen der 12 Werkbeiträge in Höhe von je CHF 24’000.– nominiert sind.

Die Ausstellung wird von der Fachstelle Kultur konzipiert und umgesetzt und ist seit 2025 zu Gast im Kunst Museum Winterthur.

Die Werkbeiträge in der Bildenden Kunst werden einmal jährlich in einem zweistufigen Verfahren von einer Jury vergeben. Sie sind sowohl Anerkennung der geleisteten Arbeit als auch wirksame und unmittelbare Förderung: Mit der Vergabe von Werkbeiträgen unterstützt die Fachstelle Kultur Kunstschaffende in der Weiterentwicklung ihrer Kunst und ermöglicht ihnen, über eine gewisse Zeitspanne ohne finanziellen Druck ihrer künstlerischen Tätigkeit nachzugehen. Die Ausstellung im Museum bietet darüber hinaus eine prominente Plattform, um eine breite Öffentlichkeit und ein Fachpublikum zu erreichen.

Das Kunst Museum Winterthur freut sich, erneut Gastgeber für die Werkschau des Kantons Zürich zu sein und gemeinsam die pulsierende Kunstszene in und um Zürich zu präsentieren.

Kuratiert von der Fachstelle Kultur Kanton Zürich

Der Tisch ist gedeckt, die Speisen sind angerichtet: knusprige Brötchen, frisch schimmernde Austern, gesalzene Fische und saftige Pasteten laden geradezu zum Essen ein. Die führende Figur in der Darstellung solch genussvoller Augenblicke im niederländischen Barock war Pieter Claesz (1597/1598–1660). Der in Flandern geborene und später in Haarlem tätige Künstler gilt als der innovativste Vertreter des Genres der monochromen »Banketjes«. Diese farblich reduzierten Mahlzeitenstillleben machten Claesz zu seiner Zeit berühmt und wurden sein Markenzeichen. Oberflächen und Materialien von Textil, Geschirr und Speisen wie kunstvoll angeschnittene Zitronen sind derart differenziert gemalt, dass sie in ihren Einzelheiten natürlich, ja täuschend echt erscheinen und gleichsam zum Zugreifen auffordern.

Unter dem Titel Zu Tisch mit Pieter Claesz zeigt das Kunst Museum Winterthur in Kooperation mit der Kaiserschild-Stiftung, dem Kunsthistorischen Museum Wien und der Alten Galerie des Universalmuseums Joanneum in Graz eine konzise Kabinettausstellung. Im Fokus stehen exquisite Stillleben, die von den Essgewohnheiten und den Lebensumständen des aufstrebenden Bürgertums im sogenannten Goldenen Zeitalter der Niederlande erzählen. Doch nicht nur Schönheit, Pracht und Genuss werden verhandelt. Die Bilder sind auch moralische Botschafter. Sie künden von der Vergänglichkeit des Essens wie des Lebens; insbesondere in den Vanitas-Stillleben manifestiert sich die Flüchtigkeit und Endlichkeit alles Irdischen.

Ergänzt wird die Ausstellung durch hochauflösende Digitalisate dreier Stillleben von Claesz, die im Rahmen des Projekts Kaiserschild Art Defined entstanden und speziell für die Kunstvermittlung aufbereitet wurden. So lädt ein Multimedia-Tisch zu einer interaktiven Auseinandersetzung mit den Werken. Außerdem begleiten Kurzfilme die Präsentation, die spannende Einblicke in die Gattung Stillleben und das Leben und Schaffen des Malers bieten.

Kuratiert von Andrea Lutz

Seit dem späten 19. Jahrhundert widmen sich Künstler:innen verstärkt der Darstellung des flüchtigen, bewegten Erscheinungsbildes des Tanzes. Auf der Suche nach neuen Ausdrucksformen wird der tanzende Körper zum Ausgangspunkt unmittelbarer künstlerischer Schöpfung. Zugleich werden auf der Bühne Vorstellungen von Körperidealen, Identität und Geschlecht sichtbar und zur Diskussion gestellt. Die Ausstellung TANZ! beleuchtet die vielschichtige und wechselseitige Beziehung zwischen Tanz und Bildender Kunst über einen Zeitraum von mehr als 125 Jahren.

Ausgehend von Edgar Degas’ Tänzerinnen spannt sich der Bogen der Ausstellung von der internationalen Avantgarde bis in die Gegenwart mit live aufgeführten Performances. Werke von Ernst Ludwig Kirchner, Oskar Schlemmer und Georg Kolbe treten in einen Dialog mit Künstlerinnen wie Lavinia Schulz, Marie Laurencin und Alexandra Exter. Im Mittelpunkt steht zudem die Choreografie als zentrale Inspirationsquelle für zahlreiche Künstler:innen, darunter Emma Amos und Barkley L. Hendricks. Zeitgenössische Auftragsarbeiten von Tino Sehgal und Isaac Chong Wai, die eigens für die Ausstellung entstehen, eröffnen neue Perspektiven und schlagen eine Brücke zur Gegenwart.

Von Malerei und Skulptur über Zeichnung, Bühnenkostüm und Installation bis hin zu Video und Performance präsentiert TANZ! ein breites Spektrum an künstlerischen Ausdrucksformen und Themen. Ein vielfältiges Rahmenprogramm begleitet die Ausstellung.

Kurator: Johan Holten
Kuratorische Assistenz: Dr. Stefano Agresti und Dorotea Lorenz

»Lebendige Farbe – Couleur vivante«

Zum Jubiläumswochenende des Hamburger Bahnhof im November eröffnet die Ausstellung von Sophie Calle. Die Schau vereint Werke, die in Berlin entstanden sind sowie Arbeiten, die auf die Geschichte des Museums als Bahnhof verweisen. Ergänzt wird sie durch ein neues Werk, das eigens zum 30-jährigen Jubiläum für die Sammlung entsteht.

Ahmad Al Rayyan thematisiert in seinen Arbeiten Erfahrungen von Zwangsmigration, Exil und Bürokratie. Seine Gemälde entstehen im Siebdruckverfahren aus vielfach überlagerten, geometrischen Mustern, die an arabische Ornamentik erinnern. Bei näherer Betrachtung offenbaren sie individuelle Merkmale von Dokumenten, etwa von Zugfahrkarten – alltägliche Objekte, die Gegensätze wie Freiheit und Einschränkung, Mobilität und Stillstand sichtbar machen. Al Rayyans Werke verweisen auf Erlebnisse als Staatenloser: auf die durch Konflikte erzwungene Vertreibung aus dem Herkunftsland und das anschließende Aufnahmeverfahren im Schweizer Rechtssystem.

Vernissage: 6. November 2026, 18:30 Uhr

Das Brücke-Museum präsentiert die erste umfassende Schau zur Schwedischen Moderne in Deutschland. 1915 in der Berliner Sturm-Galerie als „Schwedische Expressionisten“ gefeiert, sind die Gemälde und Zeichnungen von Künstler*innen wie Sigrid Hjertén oder Isaac Grünewald heute in Deutschland nur wenigen bekannt. Dies möchte die Ausstellung ändern.

Der Schwerpunkt der Präsentation liegt auf den Künstlergruppen De Unga [Die Jungen], De åtta [Die Acht] und den Göteborg-Koloristen. Wie die Brücke-Künstler wollten auch diese sich von festgefahrenen akademischen Traditionen lösen und neue künstlerische Wege beschreiten. Die Ausstellung möchte sowohl das gemeinsame Bestreben der Gruppen veranschaulichen, als auch den vielfältigen und eigenständigen künstlerischen Entwicklungen der beteiligten Künstler*innen nachgehen. 

Gezeigt werden Schlüsselwerke aus der Sammlung des Moderna Museet in Stockholm, denn es handelt sich um den zweiten Teil des wichtigen und zukunftsweisenden Kooperationsprojekts in dem die beiden Museen ihre Sammlungen tauschen. Nachdem die Sammlung des Brücke-Museums 2024 in Stockholm zu sehen waren, präsentiert die Ausstellung Schwedische Moderne den zweiten Teil und kann so erstmalig Höhepunkte des Moderna Museets in Berlin zeigen.

Das vielgestaltige Werk Thomas Schüttes (geb. 1954 in Oldenburg) ist seit etwa 40 Jahren prägend für die Kunst der Gegenwart. Seine Werke wurden bereits in den bedeutendsten Museen der Welt gezeigt, wie zuletzt 2024 im Museum of Modern Art in New York. Ab Herbst 2026 widmet ihm nun die Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen eine umfangreiche Einzelausstellung. In Schüttes Architekturmodellen können wir Vorschläge erkennen, wie wir im öffentlichen und im privaten Raum leben können. Zugleich kommentieren diese Vorschläge aber auch die Realität unserer Gesellschaft. Den hintergründigen Humor und die Experimentierfreude mit den unterschiedlichsten Materialien und Themen zeichnen auch seine Skulpturen und Installationen aus, wenn er Knetmasse, Holz, und Textilien, neben traditionelle Techniken wie glasierte Keramik, Bronzeguss und Aquarell stellt. Der für ungewöhnliche Präsentationsformate bekannte Künstler wird die Piazza im Erdgeschoss und den Ausstellungsraum im Untergeschoss des K21 bespielen. Die Ausstellung im K21 entsteht in enger Zusammenarbeit mit dem Künstler und stellt eine neue Auseinandersetzung mit dem Ständehaus als Institution und Architektur dar.

Im Werk von Verena Merz (1959–1990) treffen fabelhafte Tierwesen auf abstrakte Formen und Motive des zeitgenössischen Alltags. Mit poetischer Kraft und häufig zivilisationskritischem Blick verband die in Paris ausgebildete St. Galler Künstlerin Mythologie und Gegenwart in ihren Gemälden, Mischtechniken und großformatigen Zeichnungen. Ihre Arbeiten zeugen von einem tiefen Interesse an Ethnologie, am »Urzustand« des Daseins und an der Verbindung von Text und Bild. Die zweite Kabinett-Ausstellung des Jahres würdigt dieses facettenreiche Werk – ein bedeutendes Œuvre, das sie trotz ihres frühen Todes hinterließ.

Vernissage: 6. November 2026, 18:30 Uhr

Zum ersten Mal widmet sich eine Ausstellung der ehemaligen "Islamischen Abteilung“ am Museum Folkwang und ihrem Widerhall im modernen Folkwang-Kosmos. Noch vor dem Erwerb bedeutender Gemälde von Auguste Renoir oder Vincent van Gogh trug Museumsgründer Karl Ernst Osthaus Kunsthandwerk aus Nordafrika und Westasien zusammen. Diese Werkgruppe prägte maßgeblich den Folkwang-Gedanken und beeinflusste Kunst, Design und Architektur, die rund um das Museum entstanden. 
Rund 300 Objekte geben erstmals einen repräsentativen Überblick über die Sammlung islamischer Künste am Folkwang, die zu den frühen Museumssammlungen dieser Art in Deutschland gehörte: darunter glänzende Keramik, reich verzierte Stoffe, ein wertvolles Šāhnāma (dt. Buch der Könige) sowie ein international bedeutendes Konvolut ibero-islamischer Fliesen, von dem schon Walter Gropius schwärmte. Werke der Klassischen Moderne, europäisches Design sowie eine zeitgenössische Neuproduktion erweitern den historischen Blick um gegenwärtige Perspektiven und Fragestellungen.

Im Zentrum von Feminist Futures Forever steht die Vielstimmigkeit künstlerischer Praktiken. Dabei werden feministische Forderungen, gesellschaftspolitische Wirksamkeiten und unterschiedliche Zeitlichkeiten miteinander verknüpft: Richtet sich doch jedes Anliegen in kritischer Auseinandersetzung mit seiner jeweiligen Geschichte und Gegenwart an die Verhältnisse einer imaginierten Zukunft. Feminist Futures Forever folgt diesem Prinzip und setzt mit einem Rückblick auf die Ausstellung Kunst mit Eigen-Sinn von 1985 internationale, intersektionale und generationsübergreifende Positionen miteinander in Dialog. Gewichtig sind dabei die individuellen Werke der Künstler*innen: Deren Narrative treffen in Räumen aufeinander, die sich aus dem Alltag ableiten und mögliche Zukunftsmodelle intuitiv erlebbar machen. 

Feminist Futures Forever umfasst Arbeiten von Künstler:innen ab der Feministischen Avantgarde bis zur jüngsten Generation. Ausgangspunkt ist die Schau Kunst mit Eigen-Sinn. Internationale Ausstellung aktueller Kunst von Frauen, die 1985 am heutigen Standort des Belvedere 21 stattfand.

Feministische Bewegungen zeichnen sich durch Kontinuität aus, sie setzen bereits lange vor den 1980er-Jahren ein, reichen bis in die Gegenwart und haben nichts an Aktualität verloren. Von Anfang an sind sie vielstimmig. Diese Pluralität soll anhand unterschiedlicher künstlerischer Positionen, Medien, Themenfelder und Generationen aufgezeigt werden. 

Im Mittelpunkt stehen Kunstwerke, die gesellschaftspolitische, genderspezifische und ökologische Fragen verhandeln. Dabei spielt die gezielte Erweiterung der Sammlung des Belvedere eine wesentliche Rolle. Die ausgestellten Werke arbeiten Vergangenheit kritisch auf, verhandeln unsere Gegenwart und stellen laute Forderungen an eine gemeinsame Zukunft. In diesem Sinne ist der Titel der Ausstellung auch als Appell für neue mögliche Perspektiven zu verstehen: Feminist Futures Forever!

Mit Arbeiten von

Marina Abramović, Helena Almeida, Laurie Anderson, Anna Artaker, Gretchen Bender, Renate Bertlmann, Moucle Blackout, Miriam Cahn, Sophie Calle, Helen Chadwick, Waltraut Cooper, Katrina Daschner, Verena Dengler, Ines Doujak, VALIE EXPORT, Rose English, Nilbar Güreş,  Marcia Hafif, Maria Hahnenkamp, Barbara Hammer, Marlene Haring, Róza El-Hassan, Mona Hatoum, Jenny Holzer, Nan Hoover, Leiko Ikemura, Iman Issa,  Sanja Iveković, Magdalena Jetelová, Anna Jermolaewa, Joan Jonas, Birgit Jürgenssen, Belinda Kazeem-Kamiński, Eva Kmentová, Renate Kordon, Brigitte Kowanz, Barbara Kruger, Elke Silvia Krystufek, Friedl Kubelka,  Adriana Lara, Maria Lassnig, Kris Lemsalu, Sarah Lucas, Karin Mack, Dorit Margreiter Choy, Mara Mattuschka, Ursula Mayer, Anna Meyer, Ulrike Müller, Flora N. Galowitz, Yoko Ono, ORLAN, Michèle Pagel, Christiana Perschon, Friederike Pezold, Margot Pilz, Lisl Ponger, Ursula Pürrer, Lili Reynaud-Dewar, Ulrike Rosenbach, Martha Rosler, Constanze Ruhm, Maruša Sagadin, Helke Sander, Ashley Hans Scheirl, Meina Schellander, Julia Scher, Eva Schlegel, Toni Schmale, Carolee Schneemann, Cindy Sherman, Adriena Šimotová, Nancy Spero, Annie Sprinkle, Ingeborg Strobl, Sophia Süßmilch, Nita Tandon, Rini Tandon, Sofie Thorsen, Sophie Thun, Rosemarie Trockel, Andrea van der Straeten und vielen anderen Künstler*innen.

Die GRASSIMESSE ist ein internationaler Treffpunkt für Designinteressierte, Liebhaber und Liebhaberinnen schöner Dinge. Sie ist Kunstausstellung und Verkaufsmesse in einem. Zeitgenössische Kunst- und Kunsthandwerktreibende sowie Designer und Designerinnen können entdeckt und ihre Kunstobjekte bzw. Produkte auch gekauft werden.

Die Aussteller und Ausstellerinnen bieten Unikate, Kleinserien und beispielhafte Industrieerzeugnisse u.a. aus den Bereichen Textil, Mode, Schmuck, Keramik, Glas, Möbel, Metall, Leder, Papier und Spielzeug an. Jedes Jahr wählt eine Fachjury nach hohen qualitativen Standards die Aussteller und Ausstellerinnen aus.

Die GRASSIMESSE reflektiert damit die Ideenwelt und Vielfalt der aktuellen angewandten Kunst und des Designs. Sie befördert künstlerische Entwicklungen und schärft das Bewusstsein für gestalterische Qualität.

Die Messe steht in der Tradition der 1920 begründeten und als »Treffpunkt der Moderne« berühmt gewordenen historischen Grassimessen. Seit ihrer Neugründung 1997 findet sie einmal jährlich am letzten Oktoberwochenende im GRASSI Museum für Angewandte Kunst(Link öffnet einen neuen Tab) statt.

»Hochverehrte Prinzessin, vieladeliger wilder Junge, süße Malerin, wann darf ich kommen – ich träume von der Süßigkeit Ihrer Bilder. (Der Prinz von Theben) Else Lasker-Schüler (Der blauen Reiterreiterin Freundin.)«

Else Lasker-Schüler an Marianne von Werefkin 1913

Der »Blaue Reiter« ist ein Kreis von unterschiedlichsten Persönlichkeiten, die im Bereich der ästhetischen Theorie, Malerei, Grafik, Literatur und Musik Visionäres geleistet haben. Mit seinen beiden in den Jahren 1911 und 1912 organisierten Ausstellungen und dem 1912 herausgegebenen Almanach steht er für eine Subjektivierung in der Kunst, die Befreiung der Farbe vom Gegenstand und die Idee einer Gleichwertigkeit von künstlerischen Ausdruckformen unterschiedlicher Epochen, Gattungen und Regionen. Damit ist er Teil der internationalen Avantgardebewegungen vor dem Ersten Weltkrieg.

Nahezu völlig unerforscht blieb bis heute, welchen großen Anteil die einzelnen Künstlerinnen im Umfeld des »Blauen Reiter« an der Entwicklung der Moderne hatten, welche Strategien und Netzwerke sich diese zurechtlegten, um trotz des damals herrschenden, ihnen völlig widrigen gesellschaftlichen Normengefüges ein Leben als selbstständige Künstlerin führen zu können, und wer waren all die mitunter völlig vergessenen, in ihren Lebensläufen kaum mehr zu rekonstruierenden Künstlerinnen überhaupt, das sind die Themen der Ausstellung Die Blauen »Reiterreiterinnen«. Und hier sind sie:

Erma Bossi – Sonia Delaunay-Terk – Emmi Dresler – Elisabeth Epstein – Elisabeth Erdmann-Macke – Natalia Gontscharowa – Else Lasker-Schüler – Maria Franck-Marc – Olga Meerson – Gabriele Münter – Carla Pohle – Marianne von Werefkin

Eine Ausstellung des Museum Wiesbaden in Kooperation mit dem Paula Modersohn-Becker Museum in Bremen und der Städtischen Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau München sowie der Fondazione Marianne Werefkin in Ascona/CH

Die erste Retrospektive Ruth Asawas (1926–2013) in Europa zeigt eindrucksvoll, wie die US-amerikanische Künstlerin mit japanischen Wurzeln einfachste Materialien in faszinierende Objekte verwandelte und dabei die Grenzen zwischen Abstraktion und Figuration, Kunst und Kunsthandwerk, Aktion und Kontemplation aufhob. Das vielseitige Werk Asawas umfasst Draht- und Bronzeskulpturen, Zeichnungen, Druckgrafiken, Gemälde sowie Arbeiten im öffentlichen Raum. Ende der 1940er-Jahre studierte sie am legendären Black Mountain College bei Josef Albers und anderen, wie Richard Buckminster Fuller und Merce Cunningham. Ab 1949 lebte sie in San Francisco, wo sie begann eine eindrucksvolle Werkgruppe filigraner Drahtskulpturen zu schaffen. Parallel dazu fertigte sie vielgestaltige Zeichnungen, die eigenständig neben den Skulpturen stehen. Die Ausstellung macht die Wechselwirkungen zwischen all diesen Ausdrucksformen anschaulich. Ab den späten 1960er-Jahren realisierte sie zahlreiche öffentliche Auftragsarbeiten wie Brunnen, Wandbilder und Gedenkstätten und setzte sich massgeblich für die Kunsterziehung in der kalifornischen Bay Area und darüber hinaus ein. Die Ausstellung bietet die seltene Gelegenheit, das Werk der in den USA berühmten Künstlerin Ruth Asawa in Europa in all seinen Facetten zu entdecken.

»Ruth Asawa« gründet in einer Ausstellungspartnerschaft zwischen dem San Francisco Museum of Modern Art und dem Museum of Modern Art in New York. Diese Präsentation wird von der Fondation Beyeler entwickelt.

Die experimentellen Jahre der gegenstandslosen Fotografie waren geprägt von Debatten und Positionsbestimmungen einer jungen Generation. Nachdem Gottfried Jäger 1958 das Buch Kunst und Konstruktion des Computer-Pioniers und Science-Fiction Autors  Herbert W. Franke für sich entdeckte, entwickelte sich daraus ein Jahrzehnte währender künstlerischer Austausch. 

Seit über drei Jahrzehnten zählt Hella Jongerius zu den weltweit einflussreichsten Gestalterinnen des zeitgenössischen Designs. Ihr Werk umfasst Textilien, Keramiken, Möbel, Leuchten und skulpturale Arbeiten. Die vom Vitra Design Museum konzipierte Ausstellung im MK&G ist die erste umfassende Retrospektive der niederländischen Designerin und zeigt die ganze Spannweite ihres Schaffens – von frühen Entwürfen bis zu aktuellen Projekten. Jongerius arbeitet seit vielen Jahren mit international renommierten Unternehmen wie Maharam, KLM, Camper, Vitra und Ikea zusammen. Die umfassende Einzelausstellung eröffnet Einblicke in Jongerius’ vielschichtige Arbeitsweise sowie ihre experimentelle Herangehensweise an Materialien, Textur und Farben. Sie widmet sich Fragen nach der Bedeutung von Kunsthandwerk, der Symbolik von Dingen und der heutigen Rolle von Design in einer globalisierten Welt.

Die Ausstellung ist vom 14. März bis 6. September 2026 im Vitra Design Museum in Weil am Rhein zu sehen. Ab 16. Oktober 2026 wird sie dann im MK&G gezeigt.