Ausstellungen

Silvia Brosig, Wolfgang Klee, Franziska Kneidl, Tanja Major, Franz Riedl, Fiene Scharp, Andreas Theurer

Anknüpfend an die lange Tradition der Papierherstellung in Aschaffenburg bis nach dem 2. Weltkrieg widmet sich der NKV Aschaffenburg seit seiner Gründung dem Material Papier als eigenständigem Medium in der Kunst. In der Reihe »papier = kunst« zeigt der NKV aktuelle, innovative Positionen der Papierkunst. Die eingeladenen KünstlerInnen präsentieren skulpturale Objekte, Wandobjekte, Papier- und Scherenschnitte, Collagen, Verflechtungen und Rauminstallationen in den unterschiedlichen Papiermaterialitäten.

Vernissage: 23. Mai 2026, 18 Uhr

SEAWORLD VENICE, Florentina Holzingers Beitrag für den Österreichischen Pavillon auf der diesjährigen Biennale in Venedig, findet am 11. Juli 2026 eine einmalige Resonanz in Bregenz: als Komposition für vier Schlagzeuger:innen, zehn Performer:innen, einen Kran und eine Glocke. Holzingers Études sind einmalige, ortsspezifische Performances, in denen sie die Themen und Elemente für ihre großangelegten Inszenierungen vorbereitet und entfaltet. Die Bodensee Étude für Bregenz lädt das Publikum ein, ein zeitgenössisches Ritual am Ufer des Bodensees mitzuerleben. 

Körper und Objekte tauchen ins Wasser ein und steigen transformiert wieder daraus empor. Von Trommelklängen begleitet formen sie eine frei hängende Struktur, ein »Windspiel auf Steroiden«. In der Bodensee Étude nutzt Florentina Holzinger Motive aus Volksmärchen, in denen meist weibliche Unterwasserwesen heute in einer nur scheinbar idyllischen Landschaft ihre Unterwasserwelt mit dem Müll teilen müssen, der unter der Wasseroberfläche verborgen liegt. In einem hybriden Ritus verleiht die Bodensee Étude Begriffen wie Sünde und Erlösung neue Bedeutung. Über, um und im Bodensee verbinden sich die Performer:innen mit ihrem technischen Equipment und schreiben sich in die bereits künstlich veränderte Natur ein.

Die Bodensee Étude wurde speziell für das Kunsthaus Bregenz und die komplexe Ökologie des Bodensees entwickelt. Dabei bündelt sie zentrale Elemente aus Florentina Holzingers Praxis: Die Orchestrierung performativer Bilder eines durch Technologie und Begehren untermauerten Feminismus, maschinelle Elemente und körperliche Leistungsfähigkeit beschwören neue Mythen aus der Stille des Wassers. 

Kunsthaus Bregenz
Florentina Holzinger
Bodensee Étude
Samstag, 11. Juli 2026, 18 Uhr | Sunset Stufen am Molo Bregenz

Die Étude findet einmalig statt. Dauer: ca. 40 Minuten
Bei schlechten Witterungsverhältnissen kann sich der Beginn bis 20 Uhr verschieben.
Der Veranstaltungsbereich ist öffentlich zugänglich, vorbehaltlich Kapazität.
Keine Ticketreservierung möglich
Eintritt frei

Florentina Holzinger (*1986, Wien) arbeitet spartenübergreifend und hat umfangreiche, viel diskutierte und mehrfach ausgezeichnete Theaterproduktionen realisiert. Zu ihren jüngsten Bühnenproduktionen zählen A Year Without Summer, 2025, ihr erstes Opernprojekt SANCTA, 2024, Ophelia’s Got Talent, 2022, A Divine Comedy, 2021, Étude for an Emergency, 2020, sowie ihr vielfach aufgeführtes Werk TANZ, 2019. Seit 2020 ist sie assoziierte Künstlerin der Volksbühne Berlin. Mit den Études – einmaligen Performances im öffentlichen Raum — hat Holzinger ihre Praxis schrittweise der bildenden Kunst geöffnet. Seit 2020 wurden ihre Études unter anderem im Schinkel Pavillon Berlin und in der Bergen Kunsthall präsentiert. 2026 wird sie Österreich bei der 61. Biennale in Venedig vertreten. Florentina Holzinger studierte Choreografie an der School for New Dance Development (SNDO) in Amsterdam.

Mit der Ausstellung Japan de luxe widmet sich das Museum Rietberg den Surimono, jener Sonderform des japanischen Farbholzschnitts, die im späten 18. bis Mitte des 19. Jahrhunderts entstand.

Diese Farbholzschnitte sind aber alles andere als nur »gedruckte Dinge«, wie Surimono wörtlich übersetzt heißt. Kunstvoll gestaltet, aufwändig gedruckt auf hochwertigem, ungeleimtem hōsho-Papier ist jedes Blatt ein Gesamtkunstwerk.

In kleinen Auflagen von 50 bis 500 Exemplaren gedruckt, entstanden sie als exklusive Auftragsarbeiten im städtischen bürgerlichen Milieu. Häufig waren sie auch Statussymbole für einen erlesenen Kreis und können als Spiegelbild der damaligen Gesellschaft betrachtet werden.

Saisonale Feste, private oder berufliche Veränderungen sowie besondere kulturelle Ereignisse boten Gelegenheiten für die Anfertigung dieser luxuriösen Grußkarten. Dabei erfreuten sich Schenkende und Beschenkte nicht nur an der exquisiten Gestaltung, sondern auch an den zahlreichen literarischen und kulturellen Anspielungen, die sich in den Gedichten und Bildmotiven verbargen.

Die Ausstellung zeigt über 100 Blätter, die hauptsächlich aus der Schenkung von Gisela Müller und Erich Gross stammen und erstmals öffentlich zu sehen sind. Sie lädt Besuchende ein, die Eleganz, Poesie und die verborgenen Botschaften der Surimono zu entdecken.

Aufgrund konservatorischer Anforderungen werden Mitte Februar 2026 werden alle Surimono komplett ausgetauscht. Fans des japanischen Kunsthandwerks können daher ab dem 19. Februar zuvor nicht gezeigte Surimono ansehen und sich von Japan de luxe erneut verzaubern lassen.

Am 9. Juli 2025 jährt sich der Geburtstag des Unternehmers, Kunstsammlers und Mäzen Peter Ludwig zum hundertsten Mal. Gemeinsam mit seiner Frau Irene Ludwig (geb. Monheim, 1927–2010) hat er von Aachen aus eine der bedeutendsten Kunstsammlungen weltweit aufgebaut.

Peter Ludwig (1925–1996) war einer der einflussreichsten Kunstsammler der Welt. Der gebürtige Koblenzer, der Vater Jurist, die Mutter stammte aus der Industriellenfamilie Klöckner, studierte ab 1946 Kunstgeschichte, Archäologie sowie Vor- und Frühgeschichte in Mainz. Dort lernte er Irene Monheim (1927–2010), die Tochter des gleichnamigen Aachener Schokoladenfabrikanten kennen, die dieselben Fächer studierte. Die beiden verband eine große Liebe zur Kunst und ein profundes Wissen um die Kunstgeschichte und die Entwicklung der Kunst bis zur Gegenwart. Prägend war für Peter Ludwig die Begegnung mit dem Werk von Pablo Picasso, über dessen Menschenbild er 1950 promovierte. Nach der Heirat 1951 trat er 1952 in die Geschäftsführung des Unternehmens der Familie Monheim in Aachen ein. Das Leben des Ehepaares entspann sich von da an zwischen zwei Polen: Kunst und Kakao.

Peter Ludwig wusste geschickt, Geschäftssinn und Sammelleidenschaft miteinander zu verbinden. Die Leonard Monheim AG, eine der größten Schokoladen- und Süßwarenproduzenten der damaligen Bundesrepublik, gab den Ludwigs den finanziellen Spielraum, von Aachen aus ihre einzigartige Sammlung internationaler Kunst aufzubauen. Zum Zeitpunkt des Todes Peter Ludwigs 1996 umfasste sie circa 14 000 Werke, die sich heute als Dauerleihgaben und Schenkungen in über 30 Institutionen in sieben Ländern und auf drei Kontinenten befinden. Heute wird der Nachlass des Ehepaares von der Peter und Irene Ludwig Stiftung mit Sitz in Aachen verwaltet.

Das Ludwig Forum nimmt dieses Jubiläum zum Anlass, mit der Präsentation Zeitbild, Provokation, Kunst an zwei Orten im Haus die Verdienste des Sammlers und sein Engagement für die zeitgenössische Kunst in Aachen und weit darüber hinaus zu würdigen. Im Eingangsbereich der Bibliothek des Hauses veranschaulicht eine Zusammenstellung von historischen Fotografien, Filmen und Archivmaterial die Bedeutung, die Peter Ludwig für das Ludwig Forum hatte und hat. Fotos vom Umbau der Schirmfabrik, von den Eröffnungsfeierlichkeiten und vom Sammler vor »seinen« Kunstwerken verweisen auf die enge Bindung des Ludwig Forums an die Persönlichkeit von Peter aber auch Irene Ludwig, die eher im Hintergrund, doch aktiv am Aufbau der Sammlung sowie der Vernetzung und Förderung der zunehmenden Zahl von Ludwig-Häusern mitwirkte – bis hin zur Gründung der Peter und Irene Ludwig Stiftung, die sie 1997, ein Jahr nach dem Tod ihres Mannes ins Leben rief. Kunstwerke des ostdeutschen Malers Sighard Gille und des Westdeutschen Jörg Immendorff rufen den »Bilderstreit« auf, den Peter Ludwig mit seinem Engagement für die Kunst der DDR 1977 befeuerte. Die deutsch-deutsche Verständigung in Zeiten des Kalten Krieges (1947–1991) war ein zentrales Anliegen des Sammler:innenpaares. Die beiden kleinen Gemälde stehen zudem für einen Diskurs um die Frage, ob in einem geschlossenen, repressiven System, wie es das der DDR gewesen ist, wirklich »Kunst« entstehen kann – ein Diskurs, der auch mehr als dreißig Jahre nach dem Mauerfall noch nicht abgeschlossen ist.

Der zweite Teil der Präsentation im Untergeschoss des Westflügels widmet sich Peter Ludwigs internationalen Sammlungsaktivitäten. Ausgehend von der Begegnung mit der Pop Art Ende der 1960er Jahre in New York bildete die zeitgenössische Kunst schnell den Fokus seiner Ankaufsbestrebungen. Sein Handeln war getragen von der Überzeugung, dass Kunst nicht nur ästhetisches Ereignis, sondern auch Ausdruck ihrer Zeit sei, dass die »Weltkunst« sichtbar gemacht werden müsse, um Grenzen zu überwinden und Verständigung zwischen Kulturen zu fördern. Spätestens, als er Mitte der 1970er Jahre seinen Fokus auf die Länder jenseits des Eisernen Vorhangs richtete, betrat er die Bühne der internationalen Kulturpolitik – als eine »der abenteuerlichsten Figuren« der bundesrepublikanischen Sammlergeschichte (Wolfgang Becker, Gründungsdirektor des Ludwig Forums).

Peter und Irene Ludwig erwarben unter anderem zeitgenössische Kunst in der DDR, der Sowjetunion, Bulgarien, Kuba, Ungarn, Rumänien und China – Aktivitäten, die immer auch mit Diplomatie und Kontakten in höchste politische Kreise einhergingen. Ihre Ankäufe waren stets mit Bestrebungen verbunden, die eigene Sammlung durch Leihgaben, Schenkungen und Museumsneugründungen auch in diesen Ländern bekannt und zugänglich zu machen. Die hier ausgestellten Archivalien und Kunstwerke eröffnen einen Blick auf diese internationalen Sammlertätigkeiten. Die Portraits des Sammlers von Andy Warhol verweisen auf die US-amerikanische Pop Art als die Kunstrichtung, die Peter Ludwigs Begeisterung und Interesse an der zeitgenössischen Kunst erst entfachte. Anhand von Zeitungsartikeln und Fotografien werden seine Sammelaktivitäten in der DDR, der Sowjetunion, Kuba und China vorgestellt, während eine kleine Auswahl an Kunstwerken aus den verschiedenen Sammlungsgebieten die für ihre Zeit sehr ungewöhnliche Internationalität der Sammlung Ludwig exemplarisch veranschaulicht.

Mit Arbeiten von Carlos Alberto Rodríguez Cárdenas, Zlatka Dabova, Donna Dennis, Juris Dimiters, Li Fan, Sighard Gille, Ralph Ladell Goings, Zhang Guilin, Li Hongren, Jörg Immendorff, Roy Lichtenstein, Kim MacConnel, Wolfgang Mattheuer, A. R. Penck, Viktor Pivovarov, Sandra Ramos, Lazaro Saavedra, Eduard Štejnberg, Stoimen Stoilov, José Toirac, Andy Warhol, Wladimir Grigorjewitsch Weisberg und Nina Ivanova Žilinskaja

Kuratiert von Sonja Benzner und Mailin Haberland

Der Wald ist ein wichtiger Bestandteil unseres Lebens, sei es als Heimat für eine Vielzahl von Arten, Sehnsuchtsort des Menschen, Objekt und Gegenstand der Kunst sowie der Naturwissenschaft oder als Ressource. Die Ausstellung »Waldreich. Der Wald und Wir!« thematisiert die vielschichtige und sich wandelnde Beziehung zwischen Mensch und Wald vom Beginn der Steinzeit bis in die Gegenwart anhand von Objekten aus den Sammlungen des Landes Oberösterreich. Sie lädt dazu ein, sich dem Thema mit allen Sinnen zu nähern. Wie wir Menschen den Wald ansehen und mit ihm verfahren, erzählt uns viel über unsere Beziehung zur Natur allgemein. Als Familienausstellung konzipiert, beschäftigt sich diese mit folgenden Fragen: Wie hat sich der Wald verändert? Wie inspiriert er den Menschen und welche aktuellen Forschungen werden zu diesem Thema durchgeführt? Die Ausstellung bietet viele Gelegenheiten, sich aktiv und partizipativ mit dem Themenkomplex Wald auseinanderzusetzen.

Kuratorinnen: Cornelia Commenda und Sandra Kratochwill

Künstler:innen: Dino Pearl, Klemens Brosch, Laurin Döpfner, Friedrich Gauermann, Haanen van Remy, Karl Hauk

ATTACK DECAY SUSTAIN ist eine neue mehrkanalige Audioinstallation des Musikers und Komponisten Beni Brachtel, die für das TUNE-Sound-Programm im Terrassensaal in Auftrag gegeben wurde. Sie wird ab dem 12.12.25 für sechs Monate installiert sein.

Am 12. & 13.9.25 präsentiert der Künstler im Rahmen von TUNE eine Live-Adaption der Klanginstallation an zwei aufeinanderfolgenden Abenden, deren Performances einander ergänzen. Das Werk wird von der Cellogruppe der Münchner Symphoniker interpretiert und setzt Brachtels Zusammenarbeit mit diesem Ensemble fort. Sie begann 2024, als er für Ersan Mondtags Beitrag zum Deutschen Pavillon auf der Biennale di Venezia 2024 seine Orchestersuite Monument eines unbekannten Menschen komponierte und mit dem Ensemble aufnahm.

Das Leipziger Schriftkollektiv Camelot Typefaces hat für das Bauhaus Dessau den »Variable-Font« Beta Bauhaus entwickelt. Ihre multimediale Installation in der Raumbühne des Bauhaus Museums Dessau befasst sich mit der Gestalt von Buchstaben und ihren digitalen Wandlungsmöglichkeiten. Schriftzeichen nehmen verschiedene Aggregatzustände an; unterschiedliche formale und ideologische Prinzipien kollidieren, konkurrieren und lösen sich auf.

Die Künstlerin Antje Schiffers und ihr Partner Thomas Sprenger begeben sich auf Einladung der Stiftung Bauhaus Dessau auf Spurensuche. Sie erkunden Herkunft und Produktion von Materialien des Bauens. Sie treten in Kontakt zu Produzenten, zu Geologen und Industriemuseen, etablieren Beziehungen und machen sie zu Mitwirkenden der Ausstellung.

Das Projekt, das im Sommer 2024 begann, beleuchtet die globalen Verflechtungen von Ressourcen, Arbeit und Ökonomien. Im Zentrum steht die Erkundung verschiedener Abbau- und Produktionsstätten: Das Duo bereiste Zementanlagen, Flachglasproduktionen, Tagebaue und Ziegeleien in Sachsen-Anhalt, Brandenburg, Anatolien und Kuba. Zentraler Bestandteil ihrer Erkundungen war der direkte Kontakt zu Produzenten, Geologen oder Industriemuseen vor Ort, die durch ihre Kooperation zu Mitwirkenden der Ausstellung werden.

Malerei und Zeichnung fungieren in diesem Kontext als vielschichtige Werkzeuge: Sie dienten als Einstieg für Gespräche, als Dokumentationsmedium der Reiseerlebnisse und schließlich als eigenständige Kunstwerke. Die Ausstellung macht gesellschaftliche Umbrüche, Verluste, aber auch Aufbrüche und menschliches Engagement über Objekte und Erzählungen greifbar.

Der Ausstellungstitel Soda | Linsen | Fluff spielt auch mit der skurrilen Frage, wie viele Tonnen Linsen ein Zementwerk wert sei. Die Antwort findet sich in den historischen globalen Handelsbeziehungen der DDR mit dem Sozialistischen Äthiopien: Das Zementwerk New Mugher wurde damals im Rahmen eines langfristigen Importabkommens tatsächlich auch mit Linsen bezahlt. Diese Geschichte macht die oft abstrakten Tauschprozesse und globalen Verflechtungen auf spielerische und sehr konkrete Weise greifbar. Das Museum wird so zu einem Knotenpunkt dieses räumlich und zeitlich ausgefalteten Projekts.

Familie: (Fast) jeder Mensch hat eine und jede ist doch anders! Aber was hält uns als Familie zusammen? Und wer hat sich das eigentlich ausgedacht? Mit einem Jahresprogramm erkundet das Humboldt Forum den Stoff, aus dem familiäre Bande gewebt sind. Ob löchrig oder engmaschig, am seidenen Faden, Patchwork oder Makramee: Beziehungsgeflechte sind das Thema – künstlerisch, historisch, wissenschaftlich, international und im Dialog mit der Berliner Stadtgesellschaft.

Erfahren Sie, was und wen Familie und Verwandtschaft alles umfassen kann und wie unterschiedlich das Miteinander gelebt wird. Alle Akteure des Humboldt Forums widmen sich gemeinsam dem Thema familiärer Beziehungsgeflechte der Gegenwart, Vergangenheit und Zukunft in unterschiedlichen Formaten wie Ausstellungen, Performances, Diskussionen, Workshops, Führungen und Interventionen im ganzen Haus.

Das Programm und die Ausstellung wurden gemeinsam von allen Akteuren des Humboldt Forums kuratiert: Stiftung Humboldt Forum im Berliner Schloss, Ethnologisches Museum und Museum für Asiatische Kunst (Stiftung Preußischer Kulturbesitz / Staatliche Museen zu Berlin), Stiftung Stadtmuseum Berlin und Humboldt-Universität zu Berlin. Gesamtkuratorische Leitung: Dr. Laura Goldenbaum (SHF).

Die Kunsthalle Rostock verfügt über eine vielfältige Skulpturensammlung. Neben plastischen und bildhauerischen Arbeiten zählen Installationen und Mixed-Media-Werke dazu. Ihre Formensprache bewegt sich zwischen Figuration und Abstraktion. Ausgewählte Werke aus der Sammlung von Wolfgang Friedrich, Wieland Förster, Jo Jastram, Gerhard Marcks, Margret Middell, Susanne Rast, Margarete Scheel, Gustav Seitz und vielen anderen sind in den Räumlichkeiten des Schaudepots durch die Kuratorin und wissenschaftliche Mitarbeiterin der Kunsthalle Rostock Antje Schunke neu inszeniert worden. Eine Besonderheit stellen die künstlerischen Positionen aus dem internationalen Ostseeraum dar.

In sechs Räumen kann man die gesamte Skulpturensammlung neu arrangiert entdecken. Beispielsweise ist das Berühren von Kunstwerken im sogenannten »Tastraum« explizit erwünscht.
Doch nicht nur dreidimensionale Werke im Schaudepot werden vorgestellt. Auch im Gräsergarten im Park am Schwanenteich erfährt man mehr über die einzelnen Kunstwerke.

Eine weitere künstlerische Verbindung zur Skulpturensammlung besteht im Rostocker Zoo. In den Grünanlagen befinden sich seit 1998 sechs Plastiken aus dem Bestand der Kunsthalle Rostock als Leihgaben. Bronzeplastiken von Fritz Cremer, Heinrich Drake, Sabina Grzimek und Waldemar Grzimek stehen in der Eichenallee.

Delcy Morelos (*1967 in Tierralta, Kolumbien) verwandelt die Lokremise in einen Ort, den man nicht nur betrachtet, sondern mit allen Sin­nen erlebt: eine raumgreifende, vergängliche Installation aus recycelter Erde, gebrauchtem Holz und Duftessenz. Mit wenigen Materialien und einer nahezu schwarzen, monochromen Farbigkeit schafft sie ein inten­sives Environment, in dem Sehen, Riechen und Bewegen zu gleichwerti­gen Formen der Wahrnehmung zusammenwirken.

Morelos’ Praxis ist radikal auf Material, Raum und Präsenz fokussiert. Aus einer Weltanschauung der Andenregion heraus – und im Dialog mit Minimal Art und Konzeptkunst – entwickelt sie eine eigenständige Sprache zwischen Zeichnung, Malerei, Skulptur und Installation. Natur­materialien sind dabei Träger von Zeit, Prozess und Vergänglichkeit.

Im Zentrum der Ausstellung entfaltet sich ein weitläufiges Feld aus Erdhügeln und bemalten Holzlatten: gestapelt, geschichtet, lose ge­häuft – wie Ackerland, Topografie oder archäologische Spuren. Wände und Säulen sind mit Erdschichten überzogen; schmale Wege führen durch eine verdichtete Atmosphäre, in der Naturverbundenheit, indigene Spiritualität und koloniales Erbe ineinandergreifen. So wird unser entfremdetes Verhältnis zur Natur sinnlich erfahrbar – still, konzentriert und letztlich politisch.

Das Kunstmuseum St. Gallen freut sich, während der gesamten Ausstellungsdauer erneut freien Eintritt anbieten zu können. Ermöglicht wird dies durch das großzügige Sponsoring der SENN Resources AG.

Die Künstlerin

Delcy Morelos wurde 1967 in Tierralta in der Region Córdoba in Kolumbien geboren und studierte an der Cartagena School of Fine Arts. Sie lebt und arbeitet in Bogotá.

Ihre Werke wurden in zahlreichen, internationalen Einzelausstellungen gezeigt: El espacio vientre, MUAC Museo Universitario Arte Contemporáneo, Mexico City (2025); Madre, Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart, Berlin (2025); Profundis, CAAC Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilla (2024); Interwoven, Pulitzer Arts Foundation, St. Louis, Missouri (2024); El abrazo, Dia Chelsea, New York (2023); El lugar del alma, Museo Moderno, Buenos Aires; Between Rivers, Astrup Fearnley Museet, Oslo (2024); Enie, Fundación NC-Arte, Bogotá (2018); Inner Earth, Röda Sten Konsthall, Göteborg (2018). 2022 nahm sie mit der Installation Earthly Paradise an der 59. Biennale von Venedig in der Ausstellung The Milk of Dreams teil.

Morelos wurde mit dem Pérez Prize in Public Art & Civic Design (2024) und dem ARTnews Awards Established Artist of the Year (2024) ausgezeichnet.

Inmitten der pazifischen Tiefsee strahlt gleißendes Licht durch eine rotierende Fresnellinse, gigantische submarine Gletscher türmen sich über den Betrachtenden auf und Taucher:innen schweben scheinbar schwerelos in mexikanischen Cenoten. Die Ausstellung Midnight Zone des französisch-schweizerischen Künstlers Julian Charrière (*1987) präsentiert in der großen Halle des Kunstmuseum Wolfsburg eine faszinierende Auseinandersetzung mit der geheimnisvollen Welt des Wassers.

Die multimedialen Werke von Julian Charrière verbinden Kunst, Umwelt und Wissenschaft. Im Zentrum der Ausstellung steht das bedeutendste Element irdischen Lebens: Wasser. Es ist Grundlage der Biosphäre unseres Planeten, Lebensraum unzähliger Organismen und zugleich hart umkämpfte Ressource. Daher beleuchtet die Schau neben den sinnlichen und metaphorischen Ebenen, die mit dem Element Wasser einhergehen, auch eine Vielzahl politischer Bezüge, wie etwa die weltweite Wasserverschmutzung und Versauerung der Ozeane, das durch die menschengemachte Klimakatastrophe bedingte Abschmelzen von Gletschern und Polkappen, oder die Bedrohung der Meeresgründe durch Tiefseebergbau.

Die »Midnight Zone« – womit in der Wissenschaft der absolut lichtfreie Bereich von Meeren in einer Tiefe zwischen 1.000 und 4.000 Metern bezeichnet wird – steht im Fokus von Charrières aktuellem Kunstschaffen. So zeigt das titelgebende Video der Schau Lichtstrahlen, welche von einer sich drehenden Fresnellinse – die ursprünglich für Leuchttürme entwickelt wurde – in die nachtschwarze Tiefe des Pazifischen Ozeans geleitet werden. Schwärme verschiedenster Fischarten werden wie magisch vom Licht angezogen und umkreisen die Linse. Dadurch offenbart Charrière den erstaunlichen Reichtum an Lebewesen, selbst in diesen uns kaum bekannten Zonen, und weist zugleich auf die Schutzbedürftigkeit dieser Region hin.

Julian Charrière. Midnight Zone ist die bislang größte Einzelausstellung des weltweit renommierten Künstlers. Die in Kooperation mit dem Museum Tinguely in Basel, Schweiz, realisierte Schau schafft in einer eigens für das Kunstmuseum Wolfsburg entwickelten Szenografie einen immersiven Erfahrungsraum, in dem Bild, Ton und Körper miteinander verschmelzen und die Auseinandersetzung mit der Bedeutung von Wasser, Ozeanen und die Artenvielfalt in deren Tiefen auf künstlerisch transformierte Weise in Form von Video- und Soundarbeiten, Skulpturen, Fotografien und Installationen multisensorisch erlebbar wird.

Anlässlich der Ausstellung ist in enger Zusammenarbeit mit dem Künstler eine wissenschaftlich fundierte und reich bebilderte Publikation entstanden. Mit Texten von Stacy Alaimo, Rachel Carson, Susan Casey, Peter H. Gleick, Peter Godfrey-Smith, Amorina Kingdon, Geraldine Kirrihi Barlow, Sara A. Rich und Helen M. Rozwadowski sowie einem ausführlichen Interview mit Julian Charrière, geführt von Andreas Beitin und Roland Wetzel. (Herausgegeben von Andreas Beitin und Roland Wetzel, engl., mit dt. Übersetzungen via QR-Code), 272 Seiten.

Kuratoren: Andreas Beitin, Dino Steinhof 

Kuratorische Assistenz: Anne Rybka

»Beziehungsweise Familie« heißt das gemeinsame Themenjahr der Kultur-Institutionen im Humboldt Forum. Auch das Museum Knoblauchhaus im Nikolaiviertel beteiligt sich daran. Die gleichnamige Ausstellung gibt Einblicke in das traditionelle Familienmodell zwischen 1815 und heute.

Im Zusammenleben der Menschen hat die Familie eine zentrale Bedeutung. Dabei steht der Begriff Familie für vielfältigste Formen des Miteinanders. Familie bindet und grenzt ab, sie gibt Halt und unterliegt Regeln, sie kann Freiräume öffnen und Zwänge ausüben. Was bedeutet es, verwandt zu sein? Liebe oder Last? Tradition oder Trauma? Fels oder Brandung? In der Familie spiegelt sich immer auch die Lebensgemeinschaft als Ganzes. Wer gehört dazu, wer nicht? Und was hält uns eigentlich zusammen?

Das bürgerliche Familienmodell im Blick

Für westliche Industrie-Gesellschaften war lange Zeit die Kernfamilie aus Eltern und leiblichen Kindern charakteristisch. Das Museum Knoblauchhaus widmet sich diesem bürgerlichen Familienmodell. In dem ehemaligen Wohnhaus der Berliner Kaufmannsfamilie Knoblauch stellen Themen-Inseln verschiedene Seiten familiären Zusammenlebens dar: von Tischsitten über Stammtafeln bis hin zu gewalttätigen Vätern. Den Migrationserfahrungen der aus Ungarn geflohenen Familie Knoblauch stehen Erlebnisberichte von Menschen gegenüber, die heute im Museum arbeiten.

Das Selbstverständnis junger, bürgerlicher Frauen in der Biedermeier-Zeit dokumentiert ein erstmals ausgestelltes historisches Objekt: Das zwischen 1836 und 1863 entstandene Album der Berlinerin Ottilie von Graefe (1816–1898) enthält Zeichnungen junger Frauen in Posen, die an heutige Selfies auf Instagram erinnern. Zugleich zeigt es , dass sie nicht nur auf den »Mann fürs Leben« warten wollten, sondern sich kreativ mit Literatur, Kunst und Musik beschäftigten.

Familie in BERLIN GLOBAL

Themen-Inseln in BERLIN GLOBAL, der Berlin-Ausstellung des Stadtmuseums Berlin im Humboldt Forum, ergänzen das Thema. Sie hinterfragen, inwiefern Berliner:innen ihre Familie als Freiraum erfahren. Im Mittelpunkt stehen dabei aktuelle Aspekte des Familienlebens in der Stadt vor dem Hintergrund von Wohnraumknappheit, Freizeitangeboten und Revolutionen.

Über das Projekt

»Beziehungsweise Familie« ist ein Projekt aller am Humboldt Forum tätigen Kultur-Institutionen. Daran beteiligt sind die Stiftung Humboldt Forum im Berliner Schloss, das Ethnologische Museum und Museum für Asiatische Kunst (Stiftung Preußischer Kulturbesitz / Staatliche Museen zu Berlin), die Stiftung Stadtmuseum Berlin und die Humboldt-Universität zu Berlin. Sonderausstellungen und Themen-Inseln in den Dauerausstellungen beschäftigen sich intensiv mit den Erscheinungsformen familiären Zusammenlebens. Veranstaltungen in den beteiligten Museen begleiten das Projekt.

Am 25.3.2026 eröffnet in der Kunsthalle Jesuitenkirche die Preisausstellung zum 50-jährigen Jubiläum des Hauses. Aus 138 Einreichungen nominierte eine Fachjury 13 Positionen, die »Stufen« weit fassen – als historische Entwicklung, gesellschaftliche Auf- und Abstiege sowie symbolische und skulpturale Setzungen. Die Schau vereint analoge und digitale Ansätze, kombiniert Materialien überraschend und lädt zum Weiterdenken ein. Der mit 5.000 € dotierte Kunstpreis wird zur Eröffnung verliehen.

Nominierte Künstler:innen in der Ausstellung: Jonas Ademes, Claudia Chaseling, Konrad Franz, GISELDA, Susanne Hessenthaler, Benjamin Hirte, Christiane Kaufmann, Jennifer Maus, Alina Röbke, Finja Sander, Tim Seger, INK Ponce Sonntag-Ramirez, Toni Wombacher.

Jury: Hendrik Bündge (Staatsgalerie Stuttgart), Katharina Dohm (Schirn Kunsthalle Frankfurt), Luisa Heese (Kunsthalle Mannheim), Henrike Holsing (Museum im Kulturspeicher Würzburg), Sabiha Keyif (Institut für Auslandsbeziehungen (ifa) Stuttgart), Ina Neddermeyer (Museum Giersch der Goethe‑Universität Frankfurt a. M.), Benedikt Seerieder (Museum Brandhorst, München). Den Juryvorsitz führte Johannes Honeck (Kunsthalle Jesuitenkirche und Christian Schad Museum, Aschaffenburg; ohne Stimmrecht).

Die ambivalenten Kreaturen der bevorzugt mit Fellstoffen arbeitenden Künstlerin verkörpern nicht nur ganz unterschiedliche Emotionen, sondern auch Fragen zu Körperlichkeit, Zugehörigkeit und Identität. Mal mit menschlichen, mal mit tierischen Zügen ausgestattet, fungieren Rothes dreidimensionale, zumeist aus dem widersprüchlichen Unbewussten, aus Träumen und Fantasien gespeiste Wesen als Projektionsflächen, in denen sich nicht zuletzt die Betrachterinnen und Betrachter selbst wiederfinden und in deren Spannungsfeld sie eintauchen können.

Der Kunstverein Konstanz zeigt in Kooperation mit dem Bodensee-Naturmuseum Fotografien der Künstlerin Kristin Schnell. Im Zentrum der Schau steht ihre jüngste Werkgruppe VOGELFREI?, in der sie sich intensiv mit domestizierten Vögeln auseinandersetzt, die in Volieren leben und in der freien Natur kaum überleben könnten. Ihre Beobachtungen im Vogelkäfig werfen zugleich Fragen nach Freiheit, Verantwortung und den Bedingungen auf, unter denen Tiere heute leben.

Die Beschäftigung mit Vögeln ist ein Sujet, das die Kunstgeschichte seit ihren Anfängen begleitet. Schnell knüpft an die Tradition der Vogeldarstellungen an und entwickelt daraus einen eigenständigen, zeitgenössischen Blick: Sie setzt lebendige Tiere in bewusst konstruierte Bildräume. Schnell, die schon zeitlebens Tiere fotografierte, erhielt einen entscheidenden Impuls für die Serie durch ihren Umzug von Berlin an die Ostseeküste. Dort fand die Fotografin keine unberührte Natur, sondern eine intensiv betriebene Agrarlandschaft vor. Die Vögel – wie die Feldlerchen ihrer Kindheit – waren weitgehend verschwunden. Ihr eigenes Grundstück mit alten Bäumen und wilden Blumen wurde zu einer rettenden Insel; eine dortige 400 Quadratmeter große Voliere entwickelte sich bald zum Asyl für vernachlässigte Vögel.

Diesen geschützten Raum nutzt Schnell als Atelier. Hier baut sie aus Holz, Papier und Stoff farbintensive, geometrische Kulissen, verwendet Utensilien wie Acrylglas, Spiegel, Folien und Blumen und schafft ein künstliches Ambiente, das einer reduzierten Bühnenkulisse ähnelt. In diesen Bildräumen lässt sie ihre Vögel wie Schauspieler agieren. Die Künstlerin stellt das Setting, doch die entscheidenden Momente ergeben sich aus den Bewegungen der Tiere; Steuerung und Kontrolle bleiben dabei weitgehend unmöglich. Oft dauert es Stunden, bis die Tiere – nicht alle lassen sich auf die Situation ein – in die gut ausgeleuchtete Szenerie treten, um neugierig die Requisiten zu erkunden oder mit ihren Artgenossen zu interagieren. Schnells Farbwahl ist inspiriert von frühen Erinnerungen an leuchtende Kirchenfenster und der Farbkraft ihrer Gartenpflanzen. Beim Inszenieren greift sie auf ihre Erfahrung als Modefotografin zurück, als sie für Models Szenarien entwarf. Die Kombination aus strenger Geometrie, kunstvoller Farbgebung und gekonnter Lichtsetzung lässt die Schönheit der Tiere fast surreal erscheinen.

In Schnells Arbeiten liegt eine Spannung, auf die der Titel VOGELFREI? verweist: Vögel gelten als Sinnbild der Freiheit, doch sie leben in Volieren. Diese Ambivalenz verleiht den Bildern eine zweite Ebene. Neben der Schönheit und Zartheit der Tiere wird auch der begrenzte Raum des Käfigs spürbar. Die Künstlerin übersetzt diesen Zwiespalt in ihren verschiedenen Bildgruppen:  Beispielsweise in »Mikado«, darin betonen Stäbe, die das Bild durchziehen, die Anmutung eines Käfigs. »City Lights« arbeitet mit kantigen Requisiten, die den Bildraum verdichten und auf jene Einengung verweisen, die Vögeln in städtischen Lebensräumen zugemutet wird. In »Farewell« thematisieren stilllebenartige Arrangements den Verlust einzelner Tiere. Es sind Aufnahmen verstorbener Vögel unter freiem Himmel; erst im Tod erfahren sie jene Freiheit, die ihnen zu Lebzeiten – zum Schutz vor Fressfeinden – verwehrt blieb.

Über die rein ästhetische Betrachtung hinaus zielen Schnells Fotografien auf das Verhältnis zwischen Mensch und Tier sowie die damit verbundene moralische Verantwortung. Viele der porträtierten Vögel stammen aus ehemals nicht artgerechter Haltung; in der Voliere finden sie Schutz und Pflege. Die Künstlerin nutzt ihre Protagonisten dabei als symbolische Figuren, um Fragen nach Freiheit, Kontrolle und einer respektvollen Koexistenz in einer vom Menschen dominierten Welt zu stellen.

Die Ausstellung präsentiert rund 50 Arbeiten, deren Spektrum von kleinen, intimen Abzügen bis zu großformatigen Tableaus reicht. Die Fotografien, die im Bodensee-Naturmuseum ausgestellt werden, bilden einen reizvollen Kontrast zu den dortigen Exponaten: Die naturgetreuen Darstellungen einheimischer Vögel stehen Schnells artifiziell konstruierten Bildwelten gegenüber. Ein Teil der Werke stammt aus Schnells erster Monografie »Of Cages and Feathers« (Kehrer Verlag), während die übrigen Fotografien zum ersten Mal öffentlich gezeigt werden.

Zur Künstlerin: Kristin Schnell arbeitete über zwei Jahrzehnte als selbstständige Fotografin für internationale Auftraggeber im Bereich Kinder- und Jugendmode. Die Einladung zur LensCulture Masterclass in Amsterdam im Jahr 2019 markierte einen Wendepunkt und führte zu einer konsequenten Hinwendung zur freien künstlerischen Fotografie. Ihre Arbeiten entstehen direkt in der Kamera. Neben Vögeln sind ihre Porträts versehrter Tiere ein beeindruckendes Sujet. Zusätzlich zu verschiedenen Einzelausstellungen – etwa im Rahmen der Hamburger Triennale 2023 oder in der Galerie Ried in Berlin 2026 – wurden ihre Arbeiten unter anderem von Photolucida mit dem Critical Mass Award (Top 50) ausgezeichnet. Ihre Werke befinden sich in namhaften Sammlungen wie dem Los Angeles County Museum of Art (LACMA). Im Jahr 2024 widmete der Sender ARTE ihrem Schaffen eine eigene Künstlerdokumentation.

Als 1826 die erste Fotografie auf einer mit Asphalt beschichteten Zinn­platte acht Stunden lang belichtet wurde, konnte sich niemand vorstellen, wie selbst­verständlich die Fotografie für uns einmal sein würde. Und obwohl wir längt im postfotografischen Zeitalter angekommen sind, begleitet uns die leise Ahnung, dass noch nicht alle Geheimnisse rund um die Fotografie enthüllt sind.

Sechs KünstlerInnen nehmen die Spuren solcher potenzieller Geheimnisse auf: Pascal Petignat + Martin Scholz suchen nach Chemie­flecken im Haus des Erfinders der Fotografie Nicéphore Niépce, Peter Schreiner entlockt einer nüchternen Instructional Photography verborgene Details, Gregor Schmoll enthüllt das Atelier als leeres Behältnis, das mit Arbeiten aufgefüllt wird, Isabelle le Minh setzt übersehene Details der Fotografie- und Apparate­geschichte in Szene und Sebastian Riemer legt schließlich das Ende der analogen Fotografie in ausrangierten Materialien frei.

Sie alle erzählen Geschichten über die Fotografie und beleuchten Unbekanntes. Die gezeigten Arbeiten selbst sind nicht immer Fotografien, aber auf eine intelligente, schöne und humorvolle Art Werke über ein Medium, dessen 200. Geburtstag wir feiern.

Kuratorin: Ruth Horak

Fotografie als soziales Instrument

In seiner Ausstellung richtet Georg Petermichl (*1980 in Linz) den Fokus auf Fotografie als soziales und psychologisches Instrument. Ausgehend vom kleinsten persönlichen Kosmos – der eigenen Familie und dem Freundes­kreis erweitert er den Blick auf größere Zusammen­hänge wie Massen­tourismus, kollektive Sehnsüchte und geteilte kulturelle Praktiken. Zentrale Werk­gruppen der Ausstellung kreisen um das familiäre Archiv sowie um fotografische Studien, in denen sich Petermichl z.B. den Freizeit­praktiken nähert – etwa durch Aufnahmen von touristischen Orten, an denen sich Menschen­mengen nach klaren, beinahe choreografierten Mustern bewegen. Ihn interessiert dabei weniger die moralische Bewertung als das genaue Hinsehen: Wie entstehen kollektive Rituale? Wann tritt aus der Masse das Individuum hervor?
In vergrößerten Fotografien aus privaten Fotoalben wird Familie nicht nur als biografischer Ursprung sichtbar, sondern als Projektions­fläche für Erinnerung, Autorität und Nähe.

Vertrautes neu betrachten

Zwischen Fotografie, Film, Objekt und Installation entfaltet sich ein Ausstellungs­parcours, der Fotografie als Medium sozialer Beziehungen begreift. Die Ausstellung lädt dazu ein, scheinbar vertraute Bilder neu zu lesen – als Ausdruck gemeinsamer Sehnsüchte, geteilter Regeln und eines »kleinsten gemeinsamen Vielfachen«, das individuelles Erleben und gesellschaftliche Wirklichkeit miteinander verbindet. Die Ausstellung fragt danach, was Menschen antreibt, wie Erinnerungen formiert werden und welche Rolle Fotografien als Träger von Identität, Projektion und sozialer Realität spielen.

Kuratiert von Maria Venzl

Wir leben mit Bildern, Erinnerungen und Technologien, die uns täglich begleiten oft auch dann noch, wenn ihre ursprüngliche Bedeutung verloren gegangen ist. Sie bleiben bestehen als Gewohnheit, als Umgebung, als Teil unseres Alltags. 

Das Märkische Museum zeigt erneut Arbeiten von vier Künstler:innen des Wittener Fellowships: Frances Hennigan, Carina Hommel, Mayuko Kudo und Julie C. Stamm. In Videoinstallationen, virtuellen Räumen und physischen Objekten beschäftigen sie sich mit Erinnerung, Identität und dem Umgang mit alten und neuen Technologien, die sich von Existenzbeginn im Prozess des Verfalls bewegen. Sie führen uns durch persönliche Gedankenwelten und virtuelle Räume, fragen nach Selbstbild und Veränderung. Sie untersuchen, wie unsere Wahrnehmung beeinflusst wird, wie technische Geräte altern und ihre Informationen verlieren, wie vermittelte Bilder weiterleben.

Double Shift bezeichnet eine zweifache Verschiebung innerhalb der Ausstellung zweier Künstlerpaare: Corina Gertz und Kris Scholz arbeiten beide mit dem Medium der Fotografie, verfolgen dabei jedoch grundlegend unterschiedliche Ansätze und Blickrichtungen. Demgegenüber stehen Carmen Schaich und Alexander Föllenz, deren Arbeiten aus verschiedenen medialen Zugängen heraus entstehen, sich jedoch thematisch und ästhetisch eng miteinander verschränken. Diese sich kreuzenden Arbeitsweisen prägen nicht nur den inhaltlichen Dialog der Ausstellung, sondern strukturieren auch den Raum selbst.

Corina Gertz widmet sich in einem fotografischen Langzeitprojekt Fragen von Identität, Geschichte und Zugehörigkeit. Ihr Fokus liegt nicht auf individuellen Porträts, sondern auf Kleidung als Ausdruck kultureller Prägung. Textile Traditionen erscheinen hier als Trägerinnen von Vielfalt und Individualität.

Kris Scholz fotografiert hingegen Landschaften, Architektur und abstrakte Oberflächen. Neben Bildern kriegs- und umweltzerstörter Städte zeigt er in der Ausstellung Fotoskulpturen: Aus Dias und Negativen komponiert er leuchtende Objekte, die an gotische Fenster erinnern. Scholz hinterfragt damit unsere Sehgewohnheiten und lädt dazu ein, Vertrautes neu zu entdecken.

Carmen Schaich bewegt sich mit ihren Arbeiten zwischen Zeichnung, Druckgrafik, Skulptur und Installation. Ausgangspunkt ihres Schaffens sind fragile, verletzliche oder destruktive Momente, die sie transformiert und ästhetisch verdichtet. Daraus entstehen poetische Erzählräume, die sich leise oder mit unmittelbarer Präsenz erschließen und Orte der Stille, Konzentration und Kontemplation eröffnen.

Alexander Föllenz verhandelt in seinen skulpturalen Arbeiten Themen wie Gewalt und Ohnmacht aber auch Begehren und Vergänglichkeit. Er greift dabei spielerisch-ironisch auf Motive aus der Kunstgeschichte zurück, die von antiken Mythen bis zur Popkultur reichen. 

Rolf Münzner ist ein außergewöhnlicher Künstler, der sich in seinem vielfältigen Schaffen besonders der Zeichnung und dem Steindruck gewidmet hat. Er illustrierte detailreiche, düstere und zugleich zart anmutende Bildwelten, fantasievolle Grafikzyklen und wichtige Werke der Literatur. Nachdem er als junger Mann sporadisch die Abendakademie der Hochschule für Grafik und Buchkunst (HGB) in Leipzig besucht hatte, studierte er dort anschließend bei Gerhard Kurt Müller, Fritz Fröhlich und Hans Mayer-Foreyt Grafik und Illustration. Nach Tätigkeiten als freischaffender Künstler, zog es ihn zurück an die HGB, wo er Lehraufträge für Aktzeichnen und Illustration annahm und schließlich künstlerischer Leiter der Druckwerkstatt wurde. Von 1992 bis 2005 hatte er dort schließlich eine Professur für Grafik inne.

Das Lindenau-Museum in Altenburg stellte bereits im Jahr 1987 Zeichnungen des Künstlers aus. Knapp zehn Jahre später, 1996, wurde das druckgrafische Werk Münzners präsentiert, zu dem ein Katalog erschien. Im Dezember 2023 übergab Rolf Münzner dem Museum ein großes Konvolut seiner Arbeiten als Schenkung. An der KUNSTWAND sind ausgewählte Arbeiten daraus zu sehen.

Erstmals: Eine umfassende Retrospektive

Das Kunstmuseum Marburg präsentiert in einer Sonderausstellung ein breites Spektrum des künstlerischen Schaffens von Katharina Natalie Eitel. Mit über einhundert Exponaten in mehreren Sälen bietet die Ausstellung einen tiefgreifenden Einblick in das vielseitige Werk der Marburger Künstlerin.

Katharina N. Eitel war vor allem für ihre großflächigen Papierinstallationen der Werkreihe »zeithaut« bekannt, die in Museen, Kirchen und anderen Ausstellungsorten gezeigt wurden. Doch ihr Nachlass offenbart eine unerschöpfliche Fülle an Werken – von Malerei und Zeichnungen bis hin zu experimenteller Papierkunst und Objekten.
Die Ausstellung zeigt eine Auswahl ihrer in London entstandenen Kostüme, großformatige Skizzenbücher, handgeschöpfte Papiere mit Zeichnungen und Malereien, Bilder in Marmoriertechnik sowie Werke zu zentralen Themen wie Dialog, Gefäß, Landschaft, Vergangenheit und Körper.

Ein besonderes Highlight ist die Rekonstruktion des »Sternenzelts« – einer Rauminstallation aus handgeschöpften, farbig marmorierten Sternen, die 1996 in Marburg unter dem Titel »1001 Sterne für Jerusalem – der Himmel über Jerusalem ist unteilbar« gezeigt wurde.

Der künstlerische Nachlass von Katharina N. Eitel wird von der Stiftung HOFFNUNG13 verwaltet, die seit 2017 internationale Hilfsprojekte für Kinder und Jugendliche in Kriegs- und Krisengebieten unterstützt.

Zur Ausstellung ist eine über 280 Seiten starke Publikation im Sandstein Kultur Verlag erschienen. Ein kleiner Teil der Auflage ist durch die Beigabe eines Originalwerks als Edition nur im Kunstmuseum zu erhalten. 

Über zwei Jahre hat sich die Illustratorin Patricia Thoma immer wieder in Gefängnisse hinter hochgesicherte Gitter und Mauern begeben und gemeinsam mit inhaftierten Menschen in ganz Deutschland gezeichnet.

Das Gefängnis kann als Brennglas für gesellschaftliche Missstände gesehen werden. Hier sind Menschen inhaftiert, die kleinkriminell geworden und suchterkrankt sind, gewalttätig geworden sind und auch politisch motivierte Straftaten begangen haben. Die Schwere und Motive ihrer Taten könnten unterschiedlicher nicht sein. Das Gefühl aber, von der Gesellschaft fallengelassen und ignoriert zu werden, verbindet sie alle. Häusliche Gewalt, Schulabbruch und Perspektivlosigkeit führten bei vielen in einen Teufelskreis aus Drogen, Kriminalität und Gewalt.

Viele haben ein Bild vom »Knast« im Kopf, obwohl nur wenige jemals dort gewesen sind oder mit inhaftierten Menschen zu tun haben. Menschen in Haft werden auf ihre Taten reduziert, doch sie alle haben Freund:innen, Familie und oft auch Kinder, die in Pflegefamilien leben. Häufig werden sie von der Gesellschaft verurteilt und ausgegrenzt. Im Gefängnis sollen die inhaftierten Menschen resozialisiert und auf das Leben »draußen« vorbereitet werden, wie es im Gefängnisjargon heißt. Die Menschen im Gefängnis eint eines: die Hoffnung auf ein Leben in Freiheit und einen Neuanfang im Kreis ihrer Familie und Freund:innen.

Die Illustratorin Patricia Thoma hat sich über drei Jahre immer wieder hinter hochgesicherte Gitter und Mauern in Haftanstalten in Cottbus und ganz Deutschland begeben und mit inhaftierten Menschen gezeichnet. Die Ausstellung zeigt die entstandenen Bildergeschichten, in denen uns die Menschen einen Einblick in ihren Alltag zwischen Zelle, Arbeit und Therapie gewähren, der aufwühlt, schockiert und nicht zuletzt durch schwarzen Humor geprägt ist.

Die Workshops in den Gefängnissen wurden von der Friedrich-Ebert-Stiftung in Berlin, Brandenburg und Sachsen-Anhalt, Hamburg und Schleswig-Holstein, Niedersachsen und Nordrhein-Westfalen sowie vom StadtPalais – Museum für Stuttgart finanziert.  Die Ausdrucke der Comics auf Leinwand wurden von der Gedenkstätte ROTER OCHSE in Halle (Saale) gesponsert. Das Vermittlungsangebot zur Ausstellung wird vom Ministerium für Bildung, Jugend und Sport des Landes Brandenburg unterstützt.

Die barocke Toranlage bildet das Entrée und die Visitenkarte der Klosteranlage Bentlage. Sie ist ein Zeugnis jener Zeit, in der die Bentlager Kreuzherren im 18. Jahrhundert im Sinne des Barocks die Landschaft neu gestalteten und auch die aus dem Spätmittelalter stammende Klosteranlage nach damaligen Vorstellungen erneuerten.

Mehr als 250 Jahre später sind die Spuren der Zeit deutlich sichtbar: Farbe blättert ab, Sandstein verwittert. Daher hat sich die Stiftung zur Förderung von Kloster Bentlage das Ziel gesetzt, die Restaurierung des Tores zum 700-jährigen Stadtjubiläum im kommenden Jahr durch Spenden und Fördergelder zu finanzieren.

Unterstützung erhält die Stiftung vom Fotografen Hermann Willers und der Rheiner Autorin Usch Hollmann. In einer Fotoausstellung zeigt Willers die Vielfalt barocker Formensprache. Eine eigens erstellte Posteredition und ein »Büchsken«, ergänzt durch heitere literarische Betrachtungen zu Bentlage aus der Feder von Usch Hollmann, sind geplant. Der Verkaufserlös sowie erbetene Spenden kommen der Restaurierung des Barocktors zugute.

Eröffnung mit Buchvorstellung und Lesung: 12. Juni 2026, 15 Uhr

Die Villa Wessel präsentiert in ihrer neuen Ausstellung Arbeiten der zeitgenössischen Künstlerin Patricia Waller. Unter dem Titel »Don't worry, be happy« zeigt das Haus eine Welt, die auf den ersten Blick durch die vertraute Technik des Häkelns besticht, den Betrachter jedoch unmittelbar mit den dunklen Seiten der Realität konfrontiert.

Im Zentrum von Wallers künstlerischem Ansatz steht der bewusste Widerspruch zwischen sanfter Materialität und grausamem Inhalt: Weiche, handwerklich anmutende Textilien treffen auf Motive, die keine idyllischen Szenen zeigen, sondern stattdessen von Gewalt, Verletzlichkeit, gesellschaftlichen Abgründen und der Fragilität menschlicher Existenz erzählen. Das Gehäkelte – traditionell mit Häuslichkeit und Geborgenheit assoziiert – und die kuschelige Haptik der Wolle werden gezielt zum künstlerischen Werkzeug, um Alltagsthemen und Lebensbereiche sichtbar zu machen, die häufig verdrängt oder ausgeblendet werden.

Wallers Arbeiten greifen Motive aus Popkultur, Märchenwelt und Alltagsleben auf und überführen diese in unerwartete, oft drastische Situationen. Figuren und Objekte erscheinen dabei zugleich vertraut und befremdlich: Das Bekannte kippt ins Unheimliche, Humor schlägt in Beklemmung um. Diese Ambivalenz erzeugt eine starke emotionale Reaktion beim Publikum – zwischen Lachen und Irritation, Faszination und Unbehagen.

Eine zentrale Werkgruppe im Wallers Schaffen bildet die Dekonstruktion populärer Helden ganz getreu dem Motto »(Don't) Kill your idols!«. In ihrer Serie »Broken Heroes« verabschieden sich Kindheitsidole von ihrer Unschuld: Die vormals strahlenden Helden scheitern an unserer Lebenswirklichkeit. Waller nutzt diese Figuren der Popkultur – Erzeugnisse einer medial erschaffenen Idealwelt – um die Diskrepanz zwischen Fiktion und Realität aufzudecken und auf das »subkutane Gewaltpotenzial« hinter der glänzenden Fassade hinzuweisen: »Hello Kitty« (2011) rammt sich ein Messer in den Bauch, »Winnie Pooh« (2012) baumelt erhängt am Seil, »Minnie Mouse« (2010) liegt geschändet auf dem Boden, der »Sandmann« (2012) hat eine Überdosis Schlaftabletten zu sich genommen und »Miss Piggy« (2008) wird gerade durch den Fleischwolf gedreht. Mit einzigartigem schwarzem Humor hinterfragt die Künstlerin das »unbefleckte Image« all dieser ikonischen Figuren und inszeniert sie als »gefallene Helden«.

Gewalt, Verletzung und bisweilen grotesk anmutende Unfälle ziehen sich als konstante Themen durch das Werk von Patricia Waller. Dabei trifft es nicht nur Charaktere aus Literatur und Fernsehen – auch vertraute häusliche Umgebungen und alltägliche Situationen erweisen sich als potenziell gefährlich. Selbst vermeintlich friedlichere Orte wie Gärten, die gemeinhin mit Wachstum und Pflege verbunden werden, verkehren sich ins Unheilvolle: In »Happy Gardening« verwandelt sich die Idylle in ein Szenario reinster Brutalität, in dem Spaten und Rasenmäher zu Werkzeugen der Gewalt werden – etwa wenn eine Katze vom Mäher (»Lawn Mower«, 2012) erfasst oder ein Eichhörnchen durch einen Spatenstich (»Squirrel«, 2009) getötet wird. Waller geht es jedoch nicht allein um die bizarre Darstellung solcher Ereignisse, vielmehr berührt sie grundlegende Fragen nach einem verantwortungsvollen und respektvollen Umgang mit der Natur.

Gehirnscans, tödliche Erregerkulturen und Urinauffangsystemen an den Wänden, ein Rollator, Toilettenstuhl und Gehilfen in der Raummitte führen in der Ausstellung vor Augen, was man eigentlich nicht sehen will: In der Serie »Handycap« zerbricht die trügerische Gewissheit, dass stets nur die anderen betroffen sind. Alter, Krankheit, körperlicher Verfall und Tod – all das wird in einer von Jugendkult geprägten Gesellschaft gern übergangen, ausgelagert und unsichtbar gemacht, überantwortet an Institutionen und Fachpersonal. Zu präsent ist darin die Erinnerung an Tatsache, dass auch wir diesem Prozess nicht entkommen.

Indem Patricia Waller scheinbar widersprüchliche Ebenen – handwerkliche Sorgfalt und drastische Inhalte, Humor und Ernst, Nähe und Distanz – miteinander verknüpft, entstehen Arbeiten von großer inhaltlicher Dichte. Die Arbeiten sind weit mehr als makabre Scherze. Waller agiert als scharfe Beobachterin des Alltags und der menschlichen Psyche. Mit ihrem »subversivem Augenzwinkern« entlarvt sie die Verdrängungsmechanismen unserer Gesellschaft, die unbequeme Wahrheiten oft hinter einem Vorhang aus Normalität ausblendet, und fordert dazu auf, genauer hinzusehen und die eigene Wahrnehmung kritisch zu reflektieren.

Zur Künstlerin

Patricia Waller (geb. 1962 in Santiago, Chile) lebt und arbeitet heute in Berlin. Nach ihrer Übersiedlung nach Deutschland im Jahr 1968 studierte sie zunächst an der Freien Kunstschule Nürtingen und anschließend Bildhauerei an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe, u.a. bei Otto Herbert Hajek und Katharina Fritsch, wo sie 1990 ihr Diplom als Meisterschülerin abschloss. Es folgten internationale Stipendienaufenthalte unter anderem in Osnabrück. Waller ist vor allem für ihre charakteristische Häkelarbeiten bekannt, in denen sie textile Techniken mit skulpturalen und oft irritierenden Bildwelten verbindet. Ihre Werke wurden in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen im In- und Ausland gezeigt.

Die 36. Landesweite Kunstschau des BBK Mecklenburg-Vorpommern unter dem Titel »Hochstapeln« widmet sich dem Spannungsfeld von Identität und Raum sowie der Rolle von Kunst und Kultur in öffentlichen Räumen. Los geht's am 10. Mai in Güstrow.

Die Ausstellung ist bis 12. Juli in der Städtischen Galerie Wollhalle Güstrow, in der Getrudenkapelle und auf dem Areal bzw. der Grünanlage der Gertrudenkapelle (Gertrudenplatz 1) zu erleben.

Ausgangspunkt der Ausstellung ist die Beobachtung, dass unsere Lebensräume durch Schichtung entstehen: Funktionen, Erinnerungen, Erwartungen und Bedeutungen überlagern sich und verdichten sich zu Räumen, die wir bewohnen, durchqueren und erleben.»Hochstapeln« versteht diese Verdichtungen nicht nur als bauliche oder räumliche Phänomene, sondern als Prozesse, die Wahrnehmung, Zugang und Teilhabe strukturieren.

»50 Positionen. ZWEI Orte. Ein Titel, der Programm ist: Hochstapeln. Meinen die das ernst oder stapeln sie hoch? Beides. Die Gegenwartskunst aus MV ist gerade in Güstrow.«

In der zeitgenössischen Kunst wird Raum häufig selbst zum Material. Er wird nicht lediglich dargestellt, sondern als Erfahrung, Situation oder Prozess erfahrbar gemacht. Der erweiterte Raumbegriff umfasst dabei auch soziale Gefüge, Machtstrukturen und Fragen der Sichtbarkeit – insbesondere dort, wo Verdichtung in Ausgrenzung umschlägt oder Zugänge ungleich verteilt sind.

Vor diesem Hintergrund begreift die Ausstellung die gebaute Umwelt nicht als neutrale Kulisse, sondern als Teil kultureller und gesellschaftlicher Prozesse. Planung, Aneignung und Nutzung von Raum sind gesellschaftliche Entscheidungen, in denen sich unterschiedliche Lebensrealitäten widerspiegeln – etwa im Spannungsfeld zwischen städtischen und ländlichen Räumen sowie im Hinblick auf die Erreichbarkeit kultureller Infrastruktur in peripheren Regionen. In Anlehnung an die Davoser Erklärung zur Baukultur (2018) wird Bauen als kultureller Akt verstanden, der Räume für Kultur schafft und bewusst öffnen muss.

»Hochstapeln« versteht Kunst als Reflexionsraum innerhalb gesellschaftlicher Transformationsprozesse. Gesucht werden künstlerische Positionen, die bestehende Raumordnungen und Machtverhältnisse befragen, Wahrnehmung schärfen und alternative Lesarten von Raum eröffnen – auch dort, wo öffentliche Räume als Konfliktzonen verhandelt werden. Im Fokus stehen nicht planerische oder architektonische Lösungen, sondern künstlerische Haltungen.

Eingeladen wird dazu, Raum nicht als gegeben hinzunehmen, sondern als etwas zu begreifen, das gestaltbar ist – und das zugleich Wahrnehmung und Handeln formt.

Gezeigt wird Kunst auf Papier aus fünf Jahrhunderten: Druckgrafik, Zeichnungen und Bücher aus dem Bestand des Museums mit Darstellungen von Szenen des Alten Testaments sowie von im Judentum verehrten Personen und geheiligten Orten. 

Die Schau wird am Mittwoch, den 26. August um eine Pop-Up-Präsentation in der Bibliothek des Museums ergänzt, die Aufnahmen des Fotografen und Buchbinders Félix Bonfils (1831–1885) zeigt.